1. Freddie Mercury (Montreux, Suiza)
Freddie Mercury (Stone Town, Zanzíbar, 5 de septiembre de 1946 – Kensington,Londres, Inglaterra, 24 de noviembre de 1991) fue un cantante, compositor y músicobritánico de origen parsi e indio,conocido por haber sido el fundador y vocalista de la banda de rock Queen, cuyo nombre de nacimiento era Farrokh Bulsara, enguyaratí: ફ્રારુક બુલ્સારા.
Como intérprete, ha sido reconocido por su poderosa voz y extravagantes puestas en escena.Como compositor, escribió muchos éxitos, tales como «Bohemian Rhapsody», «Killer Queen», «Somebody to Love», «Don't Stop Me Now», «Crazy Little Thing Called Love», «Barcelona» y «We Are the Champions». Además de la actividad con Queen, en los años ochenta lanzó su carrera como solista, que lo llevó a publicar dos álbumes, Mr. Bad Guy en 1985 y Barcelona en 1988, el último en colaboración con la soprano española Montserrat Caballé. El sencillo homónimo, una colaboración entre ambos, fue la canción oficial de los Juegos Olímpicos de Barcelona 1992.
Murió de una bronconeumonía complicada por el sida el 24 de noviembre de 1991, solo un día después de comunicar oficialmente que padecía esta última enfermedad. En 2006, la revista Time Asia lo nombró como uno de los héroes asiáticos más influyentes de los últimos sesenta añosy continúa siendo votado por la gente como uno de los mejores cantantes en la historia de la música popular. En 2005, en una encuesta organizada por Blender y MTV2, fue nombrado el mejor cantante masculino de todos los tiempos.En 2009 una encuesta de la revista Classic Rock lo colocó en el primer puesto entre los mejores cantantes de rock de todos los tiempos. En 2008, la revista estadounidense Rolling Stone lo colocó en el puesto 18 en su lista de los 100 mejores cantantes de todos los tiempos,11 reflejando la opinión de la editorial de la revistamientras que Classic Rock, al año siguiente, lo consideró el mejor cantante de rock de la historia. Por su parte, Allmusic definió a Mercury como "uno de los líderes más carismáticos y dinámicos en la historia del rock" Una encuesta hecha por The Sun, que pretendía encontrar al «Máximo dios del rock», situó a Mercury en el puesto número uno.
- Biografia
- Infancia y primeros años:
Mercury nació en el Shangani Govt. Hospital, de la isla de Zanzíbar, entonces unprotectorado británico y actualmente parte de Tanzania, distante 25 kilómetros de la costa de Tanganica, el 5 de septiembre de 1946. Sus padres, Bomi y Jer Bulsara, eranparsis de la región de Gujarat, parte de la Presidencia de Bombay en la India Británica.Tuvo que trasladarse a África a causa del trabajo de su padre, cajero de la Secretaría de Estado para las Colonias;El apellido de la familia se deriva de la ciudad de Bulsar (conocida también como Valsad), en el sur de Guyarat (India). Siendo parsis, Mercury y su familia practicaban la religión zoroástrica y estaban orgullosos de su ascendencia persa.La familia Bulsara se había mudado a Zanzíbar debido a una orden recibida por su padre en su trabajo en la Oficina Colonial Británica (como Tesorero del Tribunal Supremo (Korti Kuu) de Zanzíbar). Mercury tenía una hermana menor, Kashmira Cooke.
A los cinco años empezó a asistir al Colegio misionero de Zanzíbar, regentado por monjas anglicanas, aunque la religión familiar continuaba siendo el zoroastrismo.
El 4 de febrero de 1954, a la edad de ocho años, fue enviado a estudiar al St. Peter's School,un internado de estilo británico para niños en Pachgani, cerca de Bombay, en la India;, aquí fue donde empezó a ser más conocido como «Freddie , sobrenombre que también adoptó su familia.
El talento musical de Bulsara fue observado por el decano del Colegio de San Pedro, que escribió una carta a sus padres lo que sugiere que, con el aumento de la cuota mensual, Freddie podría tomar más clases de música, con la aprobación de Bomi y Jer, el muchacho alcanzó el cuarto nivel de aprendizaje de piano.23 Durante su permanencia en la universidad, también tuvo sus primeras experiencias musicales, formando junto con cuatro compañeros Los Hectics, una banda que actuaba en fiestas o eventos escolares y donde Freddie era el pianista, tocando canciones de Cliff Richard y Little Richard.24 Un amigo suyo de aquella época decía que el cantante tenía «una increíble habilidad para escuchar la radio y reproducir las melodías en el piano».25 Mercury pasó en la India la mayor parte de su infancia, viviendo con su abuela y su tía. Terminó su educación en St. Mary's School, en Bombay. A los diecisiete años, Mercury y su familia huyeron de Zanzíbar por razones de seguridad debido a la revolución de Zanzíbar. La familia se mudó a una pequeña casa en Feltham (Middlesex, Inglaterra). Mercury se inscribió en la universidad de West Thames, donde estudió arte. Recibió allí un diploma en Diseño Gráfico y más adelante usaría su habilidad para crear el logotipo de Queen. Mercury siguió siendo ciudadano británico durante el resto de su vida.Después de su graduación, Mercury se integró en una serie de bandas y solía vender ropa de segunda mano en el Kensington Marketen Londres. Además tuvo un trabajo en el Aeropuerto de Londres-Heathrow. Sus amigos de la época lo caracterizaron como una persona tímida y tranquila que tenía mucho interés por la música. En 1969, participó en la banda Ibex, que sería renombrada Wreckage más adelante. Cuando esta banda se disolvió, formó otra llamada Sour Milk Sea. Sin embargo, dicho grupo se disolvió a mediados de 1970.
En abril de 1970, Mercury conoció al guitarrista Brian May y al baterista Roger Taylor, quienes previamente habían estado en una banda llamada Smile. Pese a las reservas de los otros miembros, Mercury eligió el nombre "Queen" para la nueva banda. Luego diría sobre esto: «Era consciente de las connotaciones gay, pero eso es sólo una faceta del nombre». En aquel tiempo, también cambió su apellido a Mercury, debido a que según sus propias palabras, en la canción «My Fairy King», en el verso «Mother Mercury, look what they've done to me», cantaba sobre su propia madre. Consideraba que el nombre «Freddie Mercury» tenía «poder»
2. La llegada a Inglaterra y los grupos pre-Queen
Después de haber pasado parte de la adolescencia en la India con su abuela y su tía Sheroo Khory y haber regresado a Zanzíbar en 1964 , a la edad de 18 años, tuvo que mudarse con su familia a Inglaterra a causa de la revolución de Zanzíbar, que estaba socavando la estabilidad política del país, la revuelta dio lugar al nacimiento del estado de Tanzania. Así, Bulsara se estableció en una pequeña casa en Feltham, en Middlesex, cerca del aeropuerto de Heathrow, en Londres Freddie continuó su educación en la escuela politécnica de Isleworth (desde 1993 College West Thames), además de sus estudios de arte, en sus primeros años ingleses trabajó en un servicio de catering cerca del aeropuerto y en un almacén en la zona comercial en Feltham.
En la primavera de 1966 obtuvo las más altas calificaciones en el examen de arte del Politécnico Isleworth, puntuación que le permitió su admisión a la Escuela de Arte Ealing deLondres; donde estudió «arte y diseño gráfico», al establecerse en el barrio de Kensingtonen un apartamento alquilado por un amigo cercano al mercado de Kensington.Paralelamente a sus estudios, Freddie creó una línea de ropa y escribió algunos artículos breves para periódicos londinenses.A Ealing reunió a Tim Staffell, su compañero de clase, así como también al cantante y bajista de la Smile, banda completa del guitarrista Brian May y del batería Roger Taylor; Bulsara intentó, en un primer momento, convencer a Staffell para que se uniera al grupo como segundo cantante, pero sin éxito.
Poco después de recibir su diploma en la Escuela de Arte Ealing, Bulsara se unió a Ibex, una banda de Liverpool influenciada por Cream. Pocos días después de la primera reunión con el grupo, Freddie aprendido de memoria todas las canciones del repertorio del grupo, su primera actuación en público como cantante se llevó a cabo en Bolton el 23 de agosto de 1969.Dos días más tarde, el Ibex realizó un concierto al aire libre en el parque de la reina de Boston; como consecuencia de esto, los miembros la banda regresaron a Londres y comenzaron a trabajar con el nuevo cantante en algunas canciones. Este fue un período económicamente difícil, tanto para la banda de Bulsara como para Smile, los músicos pasaban juntos la mayor parte del tiempo en pequeños apartamentos, a veces durmiendo en el suelo y tocando su música hasta altas horas de la noche. Para satisfacer sus necesidades, Bulsara y Roger Taylor, comenzaron a vender ropa usada en el mercado de Kensington. La última aparición oficial del Ibex 09 de septiembre de 1969 en el fregadero , un pequeño club de Liverpool. Esa misma noche, los miembros de Smile estaban tocando en un club de la misma ciudad, según algunos biógrafos, Taylor y May invitaron a Bulsara al escenario a tocar algunas de sus canciones.
En el úlimo mes de 1969, Bulsara decidió cambiarse de nombre, pasando a denominarse Ibex "Wreckage" comenzando a escribir para la banda numerosas piezas, entre ellas Stone Cold Crazy. Sin embargo, ninguna de las canciones, a excepción de una pista llamadaGreen (Verde), tuvo el éxito esperado y el grupo, la falta de ofertas en el lugar, se disolvió Freddie Bulsara comenzó de nuevo a buscar un nuevo grupo y respondió a un anuncio publicado en el Melody Maker de Sour Milk Sea. Habiendo escuchado la evidencia, los demás miembros de la grupo quedaron impresionados por su voz y lo contrataron, desempeñándose tres noches a la semana. El único concierto en el que sin duda ha participado Bulsara se llevó a cabo en Oxford en marzo de 1970. La llegada del nuevo cantante, creativo pero arrogante, causó el deterioro de las relaciones entre los miembros del grupo;. Gallop y Chesney, después de años de amistad, lucharon y Sour Milk Sea decidió separarse.
3- Los años setenta
El primer single de Smile, Earth/Step On Me, grabado en los Trident Studios y publicado en mayo de 1969 por Mercury Records, fue lanzado en los Estados Unidos sin obtener todavía el éxito esperado; por esta razón, Staffell decidió dejar los dos compañeros. con la disolución de esta banda y el fallo simultáneo de los proyectos musicales de la cantante, May, Taylor y Bulsara decidieron formar juntos una nueva banda, en abril de 1970, a propuesta de Freddie, optaron por "Queen" como el nombre de banda y empezando a buscar un bajista.
Al mismo tiempo, Farrokh Bulsara comenzó a hacerse llamar Freddie Mercury, decisión tomada a raíz de la composición de la canción My Fairy King. El 27 de junio de 1970, año en el cual presentó a Mercury Mary Austin, con quien vivió durante siete años, los tres, completados por Mike Grose, se realizaron por primera vez en público, enTruro, en un concierto a beneficio de la Cruz Roja. La banda se completó en 1971 con John Deacon, año en el cual Mercury y el resto del complejo, con el propósito de ganar más confianza sobre el escenario, afrontó su primera gira en Cornualles. En 1972, Mercury, gracias a su formación como diseñador gráfico, diseñó el logo de Queen, basándose en el escudo de armas real del Reino Unido, e incluyendo en el logotipo los signos del zodiaco de los cuatro miembros de la banda.Al año siguiente lanzaron su primer álbum de la banda, Queen, con canciones grabadas anteriormente en De Lane Lea Studios, antes del lanzamiento del disco, Mercury lanzó el sencillo «I Can Hear Music» y «Goin' Back», respectivamente, versiones de canciones de The Ronettes y Dusty Springfield, bajo el seudónimo de Larry Lurex.
A principios de los años setenta, Freddie Mercury comenzó a tener su primera toma de conciencia de su orientación sexual, expresada durante una entrevista en diciembre de 1974 a la revista New Musical Express, en el que declaró ser «gay como un narcisista» En los últimos años, Mercury usaba ropa de la diseñadora Zandra Rhodes, con pelo largo y las uñas esmaltadas.
En estos años década de 1970, Mercury tuvo una relación de larga duración con Mary Austin, a quien conoció gracias a Brian May y vivió con ella muchos años en West Kensington. A mediados de dicha década, el cantante tuvo un encuentro amoroso con un ejecutivo de la compañía Elektra Records, que acabó con la relación que tenía con Mary Austin.Mercury y Austin mantuvieron una cercana amistad a lo largo de los años y el cantante se refería a ella como su única amiga de verdad. En una entrevista de 1985, afirmó: «Todos mis amantes me preguntan por qué no puedo reemplazar a Mary Austin, pero eso es sencillamente imposible. La única amiga que tengo es Mary y no quiero a nadie más. Para mí, ella es como una esposa. Para mí era como un matrimonio. Confiamos el uno en el otro, eso me basta». Escribió muchas canciones sobre Austin, entre las cuales se destaca «Love of My Life». Mercury fue además el padrino del hijo mayor de Austin, Richard.
4- Los años ochenta
Hacia el año 1985, Mercury inició otra relación de larga duración con un peluquero llamado Jim Hutton, que descubrió en 1990 que era portador del virus VIH y vivió con Mercury los últimos seis años de la vida de éste. Hutton falleció de cáncer de pulmón el 1 de enerode 2010.
Pese a haber cultivado una personalidad muy extravagante, Mercury era una persona tímida y reservada, especialmente con los que no conocía bien.Además solía dar pocas entrevistas. Una vez dijo de sí mismo: "Cuando estoy en el escenario soy muy extrovertido, pero por dentro soy completamente diferente"´
5- Muerte
Según su pareja, Jim Hutton, a Mercury le diagnosticaron sida después de la Pascua de 1987.En aquella época, Mercury dijo en una entrevista no padecer esta enfermedad.Pese a estas negaciones, la prensa británica alimentó rumores sobre esta posible enfermedad debido a la apariencia de Mercury y a que Queen no realizaba giras ni conciertos. Hacia el final de su vida, muchos periodistas le tomaron fotografías, mientras que The Sun sugería que estaba realmente muy enfermo.
El 22 de noviembre de 1991, Mercury llamó al mánager de Queen, Jim Beach, para discutir un asunto público. Al día siguiente, se realizó el siguiente anuncio en nombre del cantante:
Siguiendo la enorme conjetura de la prensa de las últimas dos semanas, es mi deseo confirmar que padezco sida. Sentí que era correcto mantener esta información en privado hasta el día de la fecha para proteger la privacidad de los que me rodean. Sin embargo, ha llegado la hora de que mis amigos y seguidores conozcan la verdad y espero que todos se unan a mí y a mis médicos para combatir esta terrible enfermedad. Mi privacidad ha sido siempre muy importante para mí y soy famoso por prácticamente no dar entrevistas. Esta política continuará.
Al poco tiempo de haber redactado este informe, el 24 de noviembre de 1991, Mercury murió a la edad de 45 años. La causa oficial de su muerte es bronconeumonía complicada por el sida. Pese a que no era una persona religiosa, su funeral fue dirigido por un sacerdote zoroástrico. Elton John, David Bowie y los miembros de Queen estuvieron presentes. Mercury fue incinerado y sus cenizas reposan en algún lugar aún desconocido. Se rumorea que fueron esparcidas por Mary Austin a lo largo del Lago Lemán en Suiza, donde Mercury vivió sus últimos años y donde se halla su monumento conmemorativo, concretamente en la ciudad de Montreux. También se dice que reposan a los pies del enorme roble que corona el jardín de lo que fue su residencia Garden Lodge, en Kensington, así como también repartida entre varios teatros londinenses; ninguna de estas afirmaciones han podido ser comprobadas hasta el día de hoy.
En su testamento, Mercury legó la mayoría de sus bienes, incluyendo su casa y los derechos de autor sobre sus canciones, a Mary Austin, y el resto a sus parientes y a su hermana Kashmira. Además dejó quinientas mil libras para su cocinero Joe Fanelli y la misma suma para su asistente Peter Freestone y Jim Hutton, y cien mil para su chofer Terry Giddings. Mary Austin continúa viviendo en la casa de Mercury, llamada Garden Lodge, en Kensington con su familia.Hutton se mudó a Irlanda en 1995, donde murió el 1 de enero de 2010. Escribió algunos libros sobre la vida de su pareja, entre ellos Mercury and Me y Freddie Mercury: The Untold Story y dio diversas entrevistas para varias publicaciones.
- Carrera
- Como Cantante
La soprano española Montserrat Caballé, a quien conoció en el Hotel Ritz de Barcelona y con quien Mercury grabó un álbum, expresó su opinión diciendo que "la diferencia entre Freddie y la mayoría de las estrellas de rock es que él vendía la voz". A medida que la carrera de Queen iba progresando, Mercury reemplazaba las notas más agudas de las canciones que interpretaba en directo cantándolas en otras octavas más graves. Padecía denódulos vocales y dijo no haber tomado clases de canto nunca
2. Como Compositor
Mercury escribió diez de las diecisiete canciones incluidas en el álbum Greatest Hits: «Bohemian Rhapsody», «Seven Seas of Rhye», «Killer Queen», «Somebody to Love», «Good Old-Fashioned Lover Boy», «We Are the Champions», «Bicycle Race», «Don't Stop Me Now», «Crazy Little Thing Called Love» y «Play the Game».51
El aspecto más notorio de su estilo de composición es el amplio rango de géneros de sus obras, que incluye, entre otros estilos,rockabilly, rock progresivo, heavy metal, gospel y música disco. Como explicó en una entrevista en 1986: «Odio hacer lo mismo todo el tiempo. Me gusta ver lo que está sucediendo en este momento en la música, el cine y el teatro e incorporarlo». Comparado con otros artistas, Mercury ha compuesto también obras muy complejas. Por ejemplo, «Bohemian Rhapsody» tiene una estructura poco común y contiene docenas de coros simulando un coro operístico. Por otra parte, «Crazy Little Thing Called Love», contiene pocos coros. Pese al hecho de que Mercury compuso armonías muy intrincadas, como es el caso de «The March of the Black Queen», él declaró que le costaba leer música. Ha escrito la mayoría de sus canciones utilizando un piano en varias claves y tonalidades.Gracias a los numerosos éxitos de su autoría, a Mercury se le reconoce talento, así como en el canto, en la composición y escritura de canciones.
3. Actuaciones en Directo
Mercury era famoso por sus actuaciones en directo, y recorrió muchos países realizando giras musicales con Queen. Poseía un estilo teatral que a veces requería la participación del público. Un crítico de la revista británica The Spectator lo describió como «un cantante que excita y encanta a su audiencia con varias y extravagantes versiones de sí mismo». David Bowie, quien actuó en el concierto homenaje a Freddie Mercury y grabó la canción «Under Pressure» con la banda, en una sesión de improvisación musical entre ambos, alabó el estilo de Mercury para conducirse en el escenario al afirmar que: «Entre los conciertos de rock más teatrales, Freddie fue el más sobresaliente. Y, por supuesto, siempre he admirado a los hombres que usan trajes de malla. Solo lo vi una vez en concierto y, como dicen, era definitivamente un hombre que podía tener a su audiencia en la palma de la mano».
Una de las actuaciones en directo más destacables de Queen tuvo lugar en el concierto Live Aid en 1985, durante el cual todo el público (aproximadamente 72.000 personas) aplaudía y cantaba al unísono. En una votación, un grupo de ejecutivos eligió este concierto como la mejor actuación en directo de la historia del rock. Los resultados de esta votación fueron transmitidos en un programa de televisión llamado «The World's Greatest Gigs».Un crítico escribió sobre el Live Aid en 2005: "Aquellos que se dedican a crear listas de los mejores líderes de bandas de rock y reservan los primeros lugares para Mick Jagger, Robert Plant, etc, cometen un terrible error. Freddie, por su actuación en el Live Aid, es el mejor de ellos".71
Durante su carrera, Mercury participó en aproximadamente setecientos conciertos en muchos países con Queen.El cantante una vez explicó: «Somos el Cecil B. DeMille del rock, siempre queremos hacer las cosas mejor». La banda se convirtió en el primer grupo británico en tocar en estadios de Latinoamérica, con lo que rompieron el récord mundial en mayor cantidad de público en elestadio Morumbi en São Paulo en 1981. En 1986, la agrupación también tocó tras el Telón de Acero en Budapest, frente a ochenta mil personas. La última actuación en directo de Mercury con Queen tuvo lugar el 9 de agosto de 1986 en Knebworth, concierto al que asistieron trescientas mil personas.
4.Instrumentos
De niño, en la India, tomó clases de piano hasta los nueve años. Más adelante, cuando se mudó a Londres, aprendió a tocar la guitarra. La mayoría de la música que le gustaba se basaba fuertemente en acompañamiento de guitarra: sus artistas favoritos de aquella época eran The Who, The Beatles, Jimi Hendrix, David Bowie y Led Zeppelin. Era muy autocrítico en cuanto a su habilidad para tocar ambos instrumentos y desde principios de los años ochenta comenzó a usar tecladistas invitados para Queen y para su carrera solista. Lo más notable fue la contratación de Fred Mandel (un músico estadounidense que había trabajado para Pink Floyd, Elton Johny Supertramp) para su primer trabajo como solista, y que desde 1985 trabajó con el pianista Mike Moran en el estudio y con Spike Edney en concierto.
Mercury tocó el piano en muchas canciones de Queen, incluyendo «Killer Queen», «Bohemian Rhapsody», «Good Old Fashioned Lover Boy», «We Are the Champions», «Somebody to Love» y «Don't Stop Me Now». Usaba pianos de cola para conciertos y a veces hasta el clavecín. A partir de 1980 además empezó a usar sintetizadores. El guitarrista de Queen, Brian May, asegura que Mercury no estaba conforme con su manera de tocar el piano y en los conciertos delegaba dicha función porque prefería caminar por el escenario y entretener al público.75 Pese a que escribió muchas líneas de guitarra, Mercury solo poseía rudimentarias habilidades para ejecutar dicho instrumento. «Ogre Battle» y «Crazy Little Thing Called Love» fueron compuestas con guitarra. En las actuaciones en directo, Mercury usaba guitarra acústica para interpretar esta última canción
Además de su trabajo con Queen, Mercury grabó dos álbumes como solista y lanzó muchos sencillos. Pese a que sus trabajos no fueron tan comercialmente exitosos como sus álbumes con Queen, éstos debutaron entrando en el Top 10 de las listas británicas.
Los álbumes de Freddie Mercury como solista fueron Mr. Bad Guy (1985) y Barcelona (1988). El primero tiene un estilo basado en la música pop y disco. Barcelona, por el contrario, fue grabado junto a la cantante de ópera Montserrat Caballé, a quien admiraba profundamente.61 Mr. Bad Guy figuró, en su lanzamiento, en el décimo puesto en las listas de venta de Inglaterra.76 En 1993, una versiónremezclada de «Living on My Own», un sencillo del primero de sus álbumes, alcanzó el puesto número uno en la UK Singles Chart.77 La canción hizo además que Mercury ganara un premio Ivor Novellopóstumo. El crítico de Allmusic Eduardo Rivadavia describió a Mr. Bad Guy como «impresionante desde el principio hasta el final», y expresó que Mercury «hizo un considerable trabajo de exploración en tierras desconocidas».
Barcelona, grabado con Montserrat Caballé, combina elementos de la música popular con la ópera. Algunos críticos calificaron el trabajo como «el CD más extravagante del año». Caballé, por su parte, consideró al álbum como uno de los mejores éxitos de su carrera. El sencillo que lleva el nombre del álbum se ubicó en el momento de su lanzamiento en el octavo puesto en las listas de sencillos británicas y fue todo un éxito en España, donde el tema se convirtió en el himno oficial de lasOlimpiadas de 1992, celebradas en Barcelona un año después de la muerte del cantante, y tras lo cual el tema subió hasta la segunda posición de las listas, cinco años después de su publicación.Además, Caballé lo interpretó en la final de la UEFA Champions League de 1999, disputada en Barcelona.
Además de sus dos álbumes como solista, Mercury lanzó muchos otros sencillos, incluyendo su propia versión de la canción «The Great Pretender», que se ubicó en el quinto puesto en Inglaterra en 1987. En septiembre de 2006, se lanzó un álbum recopilatorio —titulado Lover of Life, Singer of Songs— de algunos trabajos de Mercury como solista, en conmemoración al 60º aniversario de su nacimiento, y en Estados Unidos en noviembre, casi coincidiendo con el 15º aniversario de su fallecimiento. El disco ocupó el décimo lugar en las listas de venta.
6. Influencia
De niño, Mercury escuchaba música hindú, y una de sus primeras influencias fue el cantante Lata Mangeshkar, a quien tuvo la oportunidad de ver en directo en la India. Después de mudarse a Inglaterra, Mercury se hizo fanático de Pink Floyd, Aretha Franklin,The Who, Jim Croce, Bob Dylan, Elvis Presley, Led Zeppelin, The Rolling Stones, Jimi Hendrix y The Beatles.Otro de los artistas favoritos de Mercury era la cantante y actriz Liza Minnelli. Una vez explicó: «Una de mis primeras inspiraciones surgió de Cabaret. Adoro a Liza Minnelli. La forma en la que canta, la pura energía».
- Criticas y controversias
Mercury ocultó el tener sida durante muchos años y se ha sugerido que podría haberse recaudado mucho dinero y realizado un servicio público si hubiera hablado sinceramente sobre su condición y su lucha contra la enfermedad desde un principio. Mientras que algunos críticos sugieren que Mercury ocultó al público su orientación sexual, otras fuentes se refieren a él como «abiertamentehomosexual»Mercury se refirió a sí mismo como «gay» en una entrevista de 1974 con la revista NME. pero hay claras evidencias de que era bisexual. También dijo ser «bisexual» en una ocasión. Por otra parte, normalmente se distanciaba de Jim Hutton durante los eventos públicos en la década de 1980. En una encuesta que realizó el diario Clarín, Freddie Mercury fue elegido como «el gay más valiente al hacer pública su homosexualidad». Brian May comentó sobre esto que considera que «llamarlo gay es algo muy simplista, esto sucede por darle demasiada importancia a su vida personal».
Por otro lado, según algunas de las noticias más recientes referentes a su muerte, el diario británico Daily Mail ha consultado a médicos que dicen que si Mercury hubiera aguantado otro año hoy seguramente estaría vivo, gracias a los avances científicos. El cantante supo que era seropositivo siete años antes de morir, pero metía las medicinas en su mansión con total secretismo, para que nadie sospechara.
2. Otras controversias
Los miembros de Queen fueron duramente criticados en la década de 1980 debido a que quebraron un boicot cultural de Estados Unidos al realizar una serie de conciertos en un complejo de entretenimiento llamado Sun City en Bophuthatswana, en Sudáfrica, cuando todavía imperaba el apartheid, hacia el año 1984. Como resultado de estos conciertos, Queen recibió muchas críticas de varias revistas, entre ellas de NME. Años después, Roger Taylor, batería del grupo, admitiría que fue "un error" acudir allí, por el aluvión de críticas recibidas por interpretar la prensa británica del momento que el hecho de acudir constituía un apoyo indirecto al "apartheid" que se vivía en el lugar, al tiempo que dijo que Freddie aceptó ir por lo bien pagado que estaba dar el concierto.
Otra controversia tuvo lugar en agosto de 2006, cuando una organización llamada Movilización y Propagación Islámica solicitó al ministro de cultura del Gobierno de Zanzíbar que suspendiera la celebración a gran escala que tendría lugar por el 60º aniversario del nacimiento del cantante. Dicha organización alegaba que Mercury no era de Zanzíbar (a pesar de haber nacido allí) y que al ser homosexual contradecía su interpretación de la sharia. Además, consideraba que el hecho de "asociar a Mercury con Zanzíbar degrada nuestra isla, que es parte del islam". Finalmente, la celebración fue cancelada.
3. Legado
En Estados Unidos, donde la popularidad de Queen decayó en la década de 1980, las ventas de sus álbumes crecieron enormemente en 1992, al año siguiente de la muerte de Mercury. En ese mismo año, un crítico estadounidense escribió que "lo que los cínicos llaman el factor de la 'estrella muerta' ha sucedido con Queen, que está resurgiendo". La película Wayne's World, que incluye entre su banda sonora la canción «Bohemian Rhapsody» también fue lanzada en 1992. Según la RIAA, Queen vendió en total 32,5 millones de álbumes en Estados Unidos y más de la mitad se vendió después de la muerte de Mercury en 1991.
En el Reino Unido, Queen pasó en total más semanas en las listas que ninguna otra banda (incluyendo a The Beatles),y el álbum de la banda Greatest Hits es el disco más vendido en Gran Bretaña hasta el día de hoy. En una encuesta hecha por Sony Ericsson, dos de las canciones de Mercury, «Bohemian Rhapsody» y «We Are the Champions» aparecieron en las votaciones como las mejores canciones de todos los tiempos.
4. Homenajes
En Montreux, Suiza, se erigió el 25 de noviembre de 1996 una estatua en su honor. Tiene tres metros de alto y la escultora de origen checo Irena Sedlecka estuvo a cargo de su realización, mientras que los gastos corrieron por cuenta de Bommi Bulsara y Montserrat Caballé.99 Se imprimió una estampilla real en su honor y también se colocó una placa en la casa a la que se mudó con su familia en 1964, a los 17 años.99
Por el cumpleaños 65 de Mercury, Google dedicó su Google Doodle a él. Incluye una animación compleja junto con el coro de «Don't Stop Me Now».100
5.Importancia de la Historia del Sida
La muerte de Freddie Mercury representó un momento importante en la historia del sida.101 En abril de 1992, los demás miembros de Queen fundaron la Mercury Phoenix Trust y organizaron el concierto homenaje a Freddie Mercury.102
El concierto homenaje a Mercury, que tuvo lugar en el estadio de Wembley, incluyó actuaciones en directo de Robert Plant, Roger Daltrey, Extreme, Elton John, Metallica, Seal, David Bowie, Annie Lennox, Tony Iommi, Guns N' Roses, Elizabeth Taylor, George Michael, Lisa Stansfield, Def Leppard y Liza Minnelli. Este concierto se transmitió en directo a 76 países y se estima que mil millones de personas vieron dicho espectáculo.103
6. Memes
Como otros personajes históricos, Freddie Mercury se ha vuelto un icono representativo en muchas páginas humorísticas donde en dichas viñetas, cuando el personaje principal logra una hazaña, levanta el brazo, imitando la pose del cantante y se puede leer el título de Freddie Mercury
7.Aparición en las listas de personas más influyentes
Muchas encuestas revelaron que la reputación de Freddie Mercury creció desde su muerte. Debido a esto, la BBC ubicó al cantante en el puesto 58 en la lista de los 100 británicos más influyentes realizada en 2002. Pese al hecho de haber sido duramente criticado por activistas homosexuales debido a que escondió su condición de portador del virus VIH, Paul Russell lo incluyó en su libro The Gay 100: A Ranking of the Most Influential Gay Men and Lesbians, Past and Present.
2. John Lennon (La Habana, Cuba)
- . Parque John Lennon
El parque John Lennon es un parque ubicado en 17 entre 6 y 8, El Vedado, nombrado así a partir de la colocación en el de una estatua de tamaño natural del famoso compositor inglés e integrante del legendario cuarteto Los Beatles. La estatua es obra del escultor cubano José Villa.
- Historia
El parque John Lennon es un parque ubicado en 17 entre 6 y 8, El Vedado, nombrado así a partir de la colocación en el de una estatua de tamaño natural del famoso compositor inglés e integrante del legendario cuarteto Los Beatles. La estatua es obra del escultor cubano José Villa.
2. Inauguracion
Una década después, en ese mismo lugar, en un multitudinario acto al que asistió el presidente Fidel Castro y otras autoridades cubanas, intelectuales, músicos y artistas de diversas ramas queda develada la estatua obra del escultor cubano José Villa, quien declaro en la inauguración: "Mi propuesta fue homenajear a una personalidad contestataria, cargada de demonios y sueños". Además, simultáneamente tuvo lugar un gigantesco concierto de rock en la Tribuna Antiimperialista José Martí. En esa ocasión también se proyectó el documental Lennon en La Habana y se presentó el libro El Sargento Pimienta vino a Cuba en un Submarino Amarillo.
3. actualidad
En la actualidad el parque es sede de diversas actividades culturales como conciertos, entre otros. Muchos le llevan flores y hasta acompañados de una guitarra le cantan canciones. Hay incluso quien se sienta a su lado cada día, como si fuera su amigo de toda la vida, le cuenta sus penas y alegrías. Los espejuelos de la estatua han sido robados en varias ocasiones y repuestos posteriormente.
http://es.wikipedia.org/wiki/Parque_John_Lennon- Biografia
John Winston Ono Lennon (de nacimiento John Winston Lennon), MBE(Liverpool, Reino Unido, 9 de octubre de 1940 – Nueva York, Estados Unidos, 8 de diciembre de 1980), fue un músico multiinstrumentista y compositor que saltó a la fama como uno de los miembros fundadores de The Beatles, una banda de rockbritánica activa durante la década de 1960, y reconocida como la más comercialmente exitosa y críticamente aclamada en la historia de la música popular. Junto con Paul McCartney, formó una de las parejas de compositores más exitosas del siglo XX.
Nació y creció en Liverpool, donde siendo adolescente se familiarizó con el género musical skiffle, formando la banda The Quarrymen, que posteriormente se convertiría en 1960 en The Beatles. Cuando el grupo comenzó a desintegrarse hasta su disolución a finales de esa década, Lennon inició una carrera como solista, marcada por varios álbumes aclamados por la crítica, incluyendo John Lennon/Plastic Ono Band e Imagine, y canciones icónicas como «Give Peace a Chance» e «Imagine».
Demostró un carácter rebelde y un ingenio mordaz en la música, el cine, la literatura y el dibujo, así como en sus declaraciones en conferencias de prensa y entrevistas. Además, la polémica le persiguió debido a su constante activismo por la paz, junto con su esposa Yōko Ono. En 1971 se mudó a Nueva York, donde su oposición a laguerra de Vietnam dio lugar a numerosos intentos por parte del gobierno de Richard Nixon de expulsarlo del país; mientras, sus canciones fueron adoptadas comohimnos por el movimiento contra la guerra. Después de su autoimpuesto retiro de la industria musical en 1975 para dedicar tiempo a su familia, Lennon volvió en 1980 con Double Fantasy. Lennon fue asesinado tres semanas después de ese lanzamiento.
En los Estados Unidos, las ventas de Lennon como solista se acercan a los catorce millones de unidades y ya sea como intérprete, autor o coautor, es responsable de veintisiete sencillos número uno en el Billboard Hot 100. En 2002, fue colocado en el octavo puesto en una encuesta de la BBC de los «100 británicos más importantes», mientras que en 2008 fue calificado por la revista Rolling Stone como el quinto mejor cantante de todos los tiempos. Después de su muerte fue incluido en el Salón de la Fama de los Compositores en 1987 y en el Salón de la Fama del Rock en 1994
1940-1957: Primeros años
Lennon nació en el Hospital de maternidad de Liverpool, hijo de Julia y Alfred Lennon. De acuerdo con algunos biógrafos, en ese momento se estaba llevando a cabo un ataque aéreo alemán y la hermana de su madre, Mary «Mimi» Smith, utilizó los destellos de luz provocados por las explosiones para poder llegar al hospital por las calles destruidas.6 Smith diría tiempo después: «desde el momento en que vi a John en el hospital, sabía que yo era su única madre, no Julia. ¿Suena horrible? Pero, en realidad no lo es, porque Julia lo aceptó como algo perfectamente natural. Ella solía decir: 'Tú eres su verdadera madre. Todo lo que hice fue dar a luz'.»El niño se llamó John Winston Lennon en honor a su abuelo paterno, John «Jack» Lennon, y por el primer ministro de la época,Winston Churchill.
Su padre, un marino mercante durante la Segunda Guerra Mundial, a menudo se encontraba fuera de casa y periódicamente enviaba cheques de su sueldo a Newcastle Road, Liverpool, donde Lennon vivía con su madre. Los cheques dejaron de enviarse cuando Alfred Lennon se ausentó sin previo aviso en 1943.Cuando finalmente volvió a casa en 1944, se ofreció a cuidar de la familia, pero su esposa (embarazada de otro hombre) rechazó la idea.10 Bajo una presión considerable, Julia le otorgó el cuidado de Lennon a su hermana después de que ésta denunciara la situación en varias ocasiones ante los servicios sociales de Liverpool. En julio de 1946, el padre de Lennon visitó a Smith y lo llevó a Blackpool, con la intención de emigrar a Nueva Zelanda con él.11 Su madre los siguió (junto a su pareja 'Bobby' Dykins) y, después de una acalorada discusión entre ambos, Alfred obligó al niño, de tan solo cinco años, a elegir con quién se quedaría. Lennon escogió a su padre dos veces. Como su madre se alejó, comenzó a llorar y la siguió. Desde ese momento pasarían veinte años hasta que volviese a ver a su padre.
Durante el resto de su infancia y adolescencia, vivió con sus tíos Mimi y George Smith, en Mendips, 251 Menlove Avenue, Woolton. No tenían hijos propios y su tía solía comprarle volúmenes de cuentos, mientras que su tío, ganadero de una granja familiar, le compró una armónica y le incitó a hacer crucigramas. Su madre visitaba Mendips casi todos los días y cuando Lennon cumplió los once años solía ser él el que la visitaba a su casa en Blomfield Road, Liverpool, donde le reproducía discos de Elvis Presley y le enseñó a tocar elbanjo. La primera canción que aprendió a tocar con este instrumento fue «Ain't That a Shame» de Fats Domino.También le compró su primera guitarra en 1956, una Gallotone acústica barata «con garantía de no cuartearse». Su madre le dio el dinero con la condición de que la enviasen a su casa y no a la de su hermana Mimi, a sabiendas de que ésta no estaba conforme con las aspiraciones musicales de John. Mimi, escéptica ante la idea de que Lennon fuese a ser famoso algún día, suponía que se aburriría de la música. A menudo le decía: «La guitarra está muy bien, John, pero nunca podrás hacer una vida con ella».
Lennon fue criado como anglicano y asistió a la Escuela Primaria Dovedale. Desde septiembre de 1952 hasta 1957, después de realizar y aprobar su examen de admisión, asistió al Quarry Bank High School en Liverpool, donde era conocido como un alumno «despreocupado», que dibujaba historietas cómicas e imitaba a sus maestros. Al final del tercer año, su informe escolar lo definía como «Sin esperanzas. Un payaso en clase. Hace perder el tiempo al resto de los alumnos.» Tenía 14 años cuando su tío murió en junio de 1955. En septiembre de 1980 hablaba acerca de su infancia, su familia y su carácter rebelde:
«Una parte de mí quería ser aceptado por todas las facetas de la sociedad y no ser el músico bocazas y lunático que soy. Pero no puedo convertirme en algo que no soy. Dada mi actitud, los padres de los otros chicos (...) reconocían instintivamente lo que yo era, es decir, un alborotador. Sabían que no iba a ser un conformista y que influenciaría a sus hijos, que es lo que luego sucedió realmente. Hice todo lo posible por causar problemas en la casa de los amigos que tuve en parte por envidia, porque yo no tenía eso que llaman hogar. Aunque en realidad lo tenía (...) Habían cinco mujeres que eran mi familia. Cinco inteligentes y fuertes mujeres. Cinco hermanas. Aquellas mujeres eran fantásticas (...) Esa fue mi primera educación feminista (...) Una de ellas resultó ser mi madre (...) No sabía cómo enfrentarse a la vida. Tenía un marido que se escapó a la mar en medio de una guerra y no podía conmigo. Por aquel entonces yo tenía cuatro años y medio. Al final acabé viviendo con su hermana mayor. Aquel conocimiento y el que yo no estuviera con mis padres me hizo ver que los padres no son dioses.»
Visitaba regularmente a su primo Stanley Parkes en Fleetwood. Siete años mayor que él, Stanley lo llevaba de viaje y al cine local. Durante sus vacaciones escolares, Parkes solía visitarlo junto a Leila, otra prima en común, y todos juntos iban a Blackpool en el tranvía dos o tres veces por semana a ver espectáculos. Visitaban el Blackpool Tower donde veían artistas como Dickie Valentine, Arthur Askey, Max Bygraves y Joe Loss. Parkes señaló que a Lennon le gustaba particularmente George Formby. Parkes y Lennon fueron aficionados del club de speedway Fleetwood Flyers y del Fleetwood Town FC. Después de que la familia de Parkes se mudara a Escocia, los tres primos solían pasar sus vacaciones escolares juntos allí. Parkes recuerda: «John, la prima Leila y yo estábamos muy unidos. Mientras viajábamos en coche desde Edimburgo a Durness, solíamos divertirnos mucho. Esto fue desde que John tenía nueve años hasta los dieciséis.»
Lennon no aprobó todos sus exámenes de nivel superior y sólo fue aceptado en el Liverpool College of Art después de que su tía interviniera hablando con el director. Una vez en el colegio, comenzó a vestir como un Teddy Boy y era conocido por interrumpir las clases y ridiculizar a los maestros. Como consecuencia, fue excluido primero de la clase de pintura y posteriormente del curso de artes gráficas, y también amenazado con la expulsión del centro escolar debido a su comportamiento, que incluía haberse sentado en el regazo de una modelo desnuda durante una clase de pintura. Suspendió el examen anual a pesar de la ayuda de algunos compañeros y de quien sería su futura esposa, Cynthia Powell, y abandonó el instituto antes de su último año. El 15 de julio de 1958, cuando Lennon tenía 17 años, su madre, que paseaba cerca de la casa de los Smith, fue atropellada por un oficial de policía que conducía ebrio y falleció.
- 1957-1980: Carrera Musical
- 1957 – 1970: De The Quarrymen a The Beatles
2 .1957 – 1965: Formación, fama y comercialización, y años de gira
Lennon formó The Beatles con los miembros de su primera banda, The Quarrymen, un grupo deskiffle que había formado en septiembre de 1956 a los quince años de edad. El nombre de la banda lo inspiraba la escuela de Liverpool a la que él y otros miembros asistían, Quarry Bank High School. En el verano de 1957 The Quarrymen ya daban conciertos combinando skiffle y rock and roll. Harry, 2000b, p. 738 John Lennon conoció a Paul McCartney el 6 de julio de 1957, durante el segundo concierto de The Quarrymen, en una fiesta celebrada en el jardín de la iglesia St. Peter en Woolton; poco después McCartney se unió al grupo.
McCartney dijo que la tía de John "pensaba que los nuevos amigos de John eran de clase baja" y que a menudo le trataba con condescendencia cuando iba a visitar a su sobrino.Miles, 1997, p. 44 Según el hermano de Paul, Mike, el padre de McCartney tampoco aprobaba sus nuevas amistades, diciendo que Lennon «traería un montón de problemas»; sin embargo, más tarde permitió que la banda ensayara en su casa (en el número 20 de Forthlin Road), donde Lennon y McCartney escribieron sus primeras canciones juntos. Lennon tenía dieciocho años cuando escribió su primera canción, «Hello Little Girl», que llegaría al Top 10 del Reino Unido cuando fue interpretada por The Fourmost casi cinco años después.
George Harrison se unió como guitarrista líder, a pesar de que Lennon pensaba que a sus catorce años era demasiado joven para unirse al grupo. McCartney tuvo que montar una audición donde Harrison tocó «Raunchy» para que Lennon la escuchase. Más adelante se unió Stuart Sutcliffe, amigo de Lennon en la escuela de arte, como bajista.Lennon, McCartney, Harrison y Sutcliffe se convirtieron en «The Beatles» a comienzos de 1960 después de que los demás miembros abandonaran el grupo. Respecto a la idea de que Lennon siempre fue considerado el líder del grupo, McCartney explicó: «Todos nosotros admirábamos a John. Era mayor (...) era el más ingenioso e inteligente.»
En agosto de 1960, The Beatles fueron contratados para cuarenta y ocho actuaciones en Hamburgo, Alemania, para las que invitaron al batería Pete Best a acompañarles. Lennon ya tenía diecinueve años y a su tía Mimi no le gustó en absoluto la idea del viaje, por lo que le suplicó que continuara con sus estudios. Después de su primera etapa en Hamburgo, aceptaron realizar otra en abril de 1961 y una tercera en abril de 1962. Al igual que los otros miembros, Lennon comenzó a tomar preludin en Hamburgo, y lo consumía regularmente, así como anfetaminas, que les servían de estimulante durante sus largas actuaciones nocturnas.
Brian Epstein, el mánager de la banda desde 1962, no contaba con experiencia en gestión de artistas; sin embargo, tuvo gran influencia en la elección de la vestimenta del grupo y en su manera de actuar en el escenario. En principio, Lennon se opuso a la idea de utilizar traje y corbata, pero luego la aceptó diciendo; «Me pondría un puñetero globo si alguien paga» John se casó con Cynthia en agosto. Lanzaron su primer sencillo «Love Me Do» el 5 de octubre, que alcanzó el número diecisiete en las listas de éxitos británicas. Grabaron su primer álbum, Please Please Me, en solo diez horas el 11 de febrero de 1963, día en que Lennon sufría los efectos de un resfriado. Normalmente Lennon y McCartney necesitaban de una o dos horas para componer una canción, la mayoría de ellas fueron escritas en los hoteles tras de un concierto, en Wimpole Street —casa de Jane Asher— o en Cavendish Avenue; casa de McCartney.
The Beatles lograron el éxito comercial en el Reino Unido a principios de 1963. Cuando su primer hijo, Julian, nació en abril, Lennon se encontraba fuera de casa debido a las giras. Durante su actuación en el Royal Variety Show, al que asistieron la Reina Madre y algunas otras figuras de la realeza británica, se burló de su público comentando: «Para nuestra siguiente canción, me gustaría pedirles su ayuda. Los del gallinero pueden aplaudir, y el resto de ustedes basta con que hagan sonar sus joyas». Después de un año deBeatlemania en el Reino Unido, le siguió su histórica actuación en los Estados Unidos al aparecer en el Show de Ed Sullivan; después el grupo se embarcó en dos años de giras internacionales y filmación películas, a la vez que escribían canciones de gran éxito. Durante ese lapso Lennon escribió dos libros, In His Own Write y A Spaniard in the Works. En 1965, The Beatles fueron reconocidos por el gobierno británico, que les nombró miembros de la Orden del Imperio Británico.
3. 1966 – 1970: Años de estudio, separación y comienzos en solitario
Despojados de su rutina de presentaciones en vivo después de su último concierto comercial en 1966, Lennon se sintió perdido y con deseos de dejar la banda. Desde su introducción involuntaria al LSD en enero, había aumentado su adicción a las drogas, y estuvo casi siempre bajo su influencia durante gran parte del año. En palabras del historiador musical Jonathan Gould, «Más que cualquiera de los otros Beatles, la relación de John Lennon con el LSD a lo largo de 1966 tenía como objetivo la búsqueda del aura personal»Lennon «dirigió su atención espiritual con la ayuda del LSD, con la esperanza de que esta drástica forma de la introspección le pudiera apartar de su dependencia del 'Beatle' John», y pasó «largas horas en difusa contemplación, deambulando por los pasillos de su mente». Según el biógrafo Ian MacDonald, la experiencia continua de Lennon con LSD durante el año lo llevó «cerca de perder su identidad». El consumo de drogas comenzó a afectar profundamente a su labor compositiva, y capturó lo que Gould llama «imaginería alucinatoria» en la letra de sus canciones. En 1967 apareció en su única película sin The Beatles, la comedia de humor negro How I Won the War. Ese mismo año, el histórico álbum Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band mostró el fuerte contraste de las letras de Lennon con las sencillas canciones de amor de los primeros años del dúo Lennon/McCartney. Gould calificó «Lucy in the Sky with Diamonds» como «una canción como ninguna otra de amor que John Lennon haya escrito jamás, un limpio y etéreo cuento de hadas en el que el chico conoce a la chica, el chico pierde la chica, y luego sigue conociéndola y perdiéndola de nuevo.»Demostrando plenamente el lirismo surrealista de Lennon, «La búsqueda de ensueño es llevada a través de un paisaje surrealista de flores gigantescas, que da lugar a 'taxis hechos de periódicos' (...) una estación de tren, y un último vistazo fugaz a la muchacha con ojos de caleidoscopio». En agosto, después de ser presentados al Maharishi Mahesh Yogi, el grupo asistió a un fin de semana de instrucción personal en su seminario de Meditación Trascendental en Bangor, Gales.
El grupo se vio destrozado por la repentina muerte de Epstein durante el seminario de Bangor. «Entonces supe que estábamos en problemas», diría Lennon después. «No tuve conceptos erróneos acerca de nuestra capacidad para hacer otra cosa que tocar música, y tenía miedo». Más tarde volverían a viajar al ashram del Maharishi en la India para obtener mayor orientación; allí compusieron la mayoría de las canciones para The Beatles y Abbey Road.
McCartney organizó el primer proyecto de la banda después de la muerte de Epstein, la película Magical Mystery Tour, que resultó ser su primer trabajo en recibir críticas negativas. Su banda sonora, Magical Mystery Tour, fue un éxito comercial, con letras una vez más impregnadas del surrealismo de Lennon. Describiendo «I Am the Walrus», Gould escribe: «Para los lectores de Lewis Carroll, la morsa y el hombre huevo son personajes inconfundibles de las páginas de Alicia a través del espejo. En 'Strawberry Fields Forever', Lennon utiliza frases simples para obtener un poderoso efecto: 'Strawberry fields (...) Nothing is real'. Compartiendo el ritmo y la rima, estas dos frases —la imagen y su característica distintiva— son fusionadas durante la canción.»
Ya sin Epstein, los miembros del grupo fueron tomando un papel más importante en las actividades comerciales del mismo, y en febrero de 1968 formaron Apple Corps, una empresa multimedia que abarcaba Apple Records y otras filiales. Lennon describió la empresa como un intento de «ver si podíamos conseguir la libertad artística dentro de una estructura de negocios». Sin embargo, la experimentación de Lennon con las drogas, su preocupación por su relación con Yōko Ono y los planes de matrimonio de McCartney mostrando la necesidad de poner a profesionales de la gestión al frente de Apple. Lennon invitó a Lord Beeching a asumir el papel, pero éste se negó. Después, se puso en contacto con Allen Klein, que había gestionado a The Rolling Stones y otras bandas durante lainvasión británica. Klein fue nombrado mánager contra la voluntad de McCartney.
A finales de 1968 Lennon apareció en la película The Rolling Stones Rock and Roll Circus (que no fue publicada hasta 1996) en el papel de un miembro de la banda Dirty Mac. El supergrupo, que formado por Lennon, Eric Clapton, Keith Richards y Mitch Mitchell, también contó con una colaboración vocal de Ono en la película. Lennon y Ono se casaron el 20 de marzo de 1969, y luego lanzaron una serie de catorce litografías llamada «Bag One» que mostraba imágenes de su luna de miel, de las cuales ocho fueron consideradas indecentes y la mayoría prohibidas y confiscadas.
El enfoque creativo de Lennon continuó más allá de The Beatles, y entre 1968 y 1969 Lennon y Ono grabaron tres álbumes experimentales juntos: Unfinished Music No.1: Two Virgins, , cuya portada fue muy controvertida, al aparecer ambos artistas desnudos, Unfinished Music No.2: Life with the Lions, y Wedding Album. En 1969 formaron The Plastic Ono Band, lanzando el álbumLive Peace in Toronto 1969. En protesta por la participación británica en la Guerra de Vietnam, Lennon devolvió su medalla de miembro de la Orden del Imperio Británico a la Reina, aunque esto no tuvo efecto en su condición de miembro de la orden. Entre 1969 y 1970 Lennon lanzó los sencillos «Give Peace a Chance» (ampliamente adoptado como himno contra la guerra de Vietnam en 1969) «Cold Turkey» (documentando su síndrome de abstinencia a la heroína) ) e «Instant Karma!».
Lennon abandonó The Beatles en septiembre de 1969. Estuvo de acuerdo en no informar a los medios de comunicación de lo sucedido, mientras la banda renegociaba su contrato de grabación, pero quedó indignado después de que McCartney publicara su propio álbum de debut como solista en abril de 1970. La reacción de Lennon fue: «¡Jesucristo! Él se lleva todos los créditos por ello!» Más tarde escribió: «Yo empecé la banda. Yo la disolví. Es tan simple como eso». En las entrevistas finales con la revista Rolling Stone reveló su resentimiento hacia McCartney diciendo: «Fui un tonto por no hacer lo que Paul hizo, que fue utilizar la situación para vender discos». Habló también de la hostilidad que los otros miembros tenían hacia Ono, y de cómo él, Harrison y Starr «se hartaron de ser acompañantes de Paul (...) Después de la muerte de Brian Epstein todo se derrumbó. Paul se hizo cargo y supuestamente nos dirigió. Pero ¿Qué dirigía cuando solo íbamos en círculos?»
- 1970 – 1980: Carrera como solista
- 1970 – 1973: Primeros años post-Beatles
Después de la separación de The Beatles en 1970, Lennon y Ono se sometieron a terapia primal con el Dr. Arthur Janov en Los Ángeles, California. Diseñada para liberar el dolor emocional de la niñez temprana, el tratamiento consistía en asistir dos días a la semana durante cuatro meses; Janov quería tratar a la pareja durante más tiempo, pero ellos no sintieron ninguna necesidad de continuar y regresaron a Londres.73 El álbum debut en solitario de Lennon, John Lennon/Plastic Ono Band (1970), incluye la canción «Mother», que habla sobre los sentimientos acerca del abandono por parte de sus padres cuando era niño,74 y la canción «Working Class Hero», que fue prohibida por la BBC Radio por la inclusión de la palabra «fucking» («jodido»).75 Ese mismo año, las revolucionarias opiniones políticas de Tariq Ali, expresadas cuando entrevistó a Lennon, inspiraron al cantante a escribir «Power to the People». Lennon también se vio involucrado con Ali durante una protesta contra la demanda a la revista Oz por presunta obscenidad. Lennon denominó el procedimiento como «fascismo repugnante», y junto con Ono (como Elastic Oz Band) lanzaron el sencillo «God Save Us/Do the Oz» y se unieron a las marchas de apoyo a la revista.76
En 1971 se publicó su álbum Imagine. La canción que da título al álbum se convertiría en un himno para los movimientos contra la guerra —y también en su canción más famosa tras la separación de The Beatles.77 Mientras, otro tema («How Do You Sleep?») era un ataque musical hacia McCartney en respuesta a las letras del álbumRam que Lennon sentía, y que McCartney confirmó más tarde, iban dirigidas a él y Ono. Aunque Lennon suavizó su postura a mediados de los años 70 diciendo que había escrito «How Do You Sleep?» acerca de sí mismo,78 en 1980 reveló, «Use mi resentimiento contra Paul (...) para crear una canción (...) no es una terrible ni cruel venganza (...) use mi resentimiento y la separación de Paul y The Beatles, y la relación con Paul, para escribir 'How Do You Sleep'. Realmente esos pensamientos no van a rondar en mi cabeza todo el tiempo.»20 Lennon, celoso por naturaleza, en el tema «Jealous Guy», más tarde inmortalizado por Roxy Music al llevarlo a lo alto de las listas de éxitos en 1981 tras el asesinato de Lennon.17
Lennon y Ono se mudaron a Nueva York en agosto de 1971, y en diciembre lanzaron «Happy Xmas (War Is Over)».79 Para promocionar el sencillo, contrataron vallas publicitarias en doce ciudades de todo el mundo que decían, en el idioma local, «LA GUERRA HA TERMINADO—SI ASÍ LO DESEAS».80 La Administración Nixon tomó por aquel entonces lo que se llamó una «contraofensiva estratégica» contra la propaganda pacifista de Lennon, embarcándose en un intento de cuatro años para intentar deportarlo. Envuelto en una continua batalla legal, se le negó la Green Card hasta 1976.81
Some Time in New York City fue lanzado en 1972. Grabado con la banda neoyorquina Elephant's Memory, contenía canciones acerca de los derechos de las mujeres, las relaciones raciales, el papel de Gran Bretaña en Irlanda del Norte, y los problemas de Lennon para obtener su Green Card.82 «Woman Is the Nigger of the World», lanzada como sencillo del álbum en los Estados Unidos ese mismo año, fue descrita por Lennon como «la primera canción sobre la libertad de las mujeres», y debutó el 11 de mayo, cuando fue televisada en el show de Dick Cavett. Muchas estaciones de radio se negaron a transmitir la canción a causa de la palabra «nigger» («negro» [de manera despectiva]).83 Lennon dio dos conciertos benéficos con Elephant's Memory en Nueva York a beneficio de los pacientes del hospital para enfermos mentales Willowbrook State School.84 Las actuaciones en el Madison Square Garden del 30 de agosto de 1972 fueron sus últimas apariciones de larga duración en concierto.5
2. 1973 – 1980: Retiro temporal y regreso
Walls and Bridges (1974) dio el único sencillo número uno que Lennon pudo ver en vida en su carrera en solitario, «Whatever Gets You Thru the Night», con Elton John en los coros y piano. Un segundo sencillo del álbum, «#9 Dream», le siguió antes de que finalizara el año.Goodnight Vienna, de Starr (1974), volvió a contar con la contribución de Lennon, que escribió la canción principal y tocó el piano. El 28 de noviembre, hizo una aparición sorpresa en el concierto de Acción de Gracias de Elton John en el Madison Square Garden, cumpliendo así su promesa de unirse al cantante en un show en vivo si «Whatever Gets You Thru the Night», una canción de cuyo potencial comercial Lennon había dudado, alcanzaba el número uno. Lennon interpretó la canción junto con «Lucy in the Sky with Diamonds» y «I Saw Her Standing There».
Co-escribió «Fame», el primer número uno de David Bowie en Estados Unidos, donde colaboró tocando la guitarra y los coros durante la grabación en enero de 1975. Él y Ono se reconciliaron poco después. Ese mismo mes, Elton John encabezó las listas de éxitos con su propia versión de «Lucy in the Sky with Diamonds», con Lennon en la guitarra y los coros. Lanzó Rock 'n' Roll (1975), un álbum de versiones, en febrero. Poco después, «Stand By Me», tomada del álbum y un éxito en los Estados Unidos y en el Reino Unido, se convirtió en su último sencillo durante cinco años. Hizo la que sería su última aparición en el escenario durante el especial de la ATV A Salute to Lew Grade, grabada el 18 de abril y televisado en junio. Tocando la guitarra acústica, y acompañado por su banda de acompañamiento BOMF (presentada como «Etcetera»), Lennon interpretó dos canciones deRock 'n' Roll («Slippin 'and Slidin'» y «Stand By Me»; esta última fue excluida de la transmisión televisiva), seguidas por «Imagine».La banda llevaba máscaras en la parte trasera de la cabeza como si tuvieran dos caras, una indirecta hacia Grade, con quien Lennon y McCartney habían estado en conflicto por el control de la empresa editora de The Beatles (Dick James había vendido la mayoría de sus acciones a Grade en 1969). Durante la interpretación de «Imagine», Lennon agregó la línea «y la inmigración no es para tanto», una referencia a su lucha por permanecer en los Estados Unidos.
Su segundo hijo, Sean, nació en octubre de 1975. Esta vez, Lennon asumió el papel de amo de casa, comenzando lo que sería un retiro de cinco años de la industria musical durante el cual dedicó toda su atención a su familia.En el mes que terminaba su contrato con EMI/Capitol, era necesario lanzar un último álbum para que este se cumpliera efectivamente, de tal manera que se publicó el álbum recopilatorio Shaved Fish. Se dedicó a tiempo completo a Sean, levantándose a las seis de la mañana todos los días para planear y preparar sus comidas y pasar tiempo con él. Escribió «Cookin' (In the Kitchen of Love)» para el álbum de Starr Ringo's Rotogravure (1976), colaborando en la grabación del tema en junio, en la que sería su última sesión de grabación hasta 1980.Se anunció formalmente su descanso de la música en Tokio en 1977, diciendo: «básicamente lo hemos decidido, sin ninguna gran decisión, para estar con nuestro bebé tanto como nos sea posible hasta que sintamos que podemos tomarnos el tiempo libre para disfrutar de nosotros mismos trabajando en cosas fuera de la familia.»Durante su época de descanso realizó varias series de dibujos, y redactó un libro que contiene una mezcla de material autobiográfico y lo que Lennon denominó «cosas locas»; todo ello se publicaría posteriormente.
Regresó a la escena musical en octubre de 1980 con el sencillo «(Just Like) Starting Over», seguido el mes siguiente por el álbum que dio lugar al sencillo. Lanzado junto con Ono, Double Fantasy contiene canciones escritas durante el viaje de Lennon a las Bermudasen una balandra de 43 pies el mes de junio anterior; tomó el título de una especie de freesia que observó en el Bermuda Botanical Gardens, cuyo nombre consideraba como una descripción perfecta de su matrimonio con Ono.El nuevo material, según Schinder y Schwartz, muestra a un Lennon «apasionado y revitalizado, después de encontrar la vida familiar estable de la que había sido privado en su propia juventud.»Durante las sesiones de Double Fantasy, Lennon y Ono grabaron material adicional suficiente para un planeado futuro álbum. Milk and Honey se publicó póstumamente en 1984.
3 Diciembre de 1980: Muerte
Al día siguiente, Ono emitió una declaración, diciendo: «No hay funeral para John». Ono concluyó su declaración con las palabras, «John amaba y rezaba por la raza humana. Por favor, recen por lo mismo». Su cuerpo fue incinerado en el Cementerio Ferncliff en Hartsdale, Nueva York. Ono esparció sus cenizas en el Central Park de Nueva York, donde más tarde se creó el monumento conmemorativoStrawberry Fields.101 Chapman se declaró culpable por asesinato en segundo grado y fue condenado a cadena perpetua en prisión; actualmente aún permanece en la cárcel, después de haberle sido negada en repetidas ocasiones la libertad condicional
- Relaciones personales
- Cynthia Lennon
John Lennon y Cynthia Powell se conocieron en 1957 como compañeros de estudios en la Escuela de Artes de Liverpool.Aunque al principio lo encontró espantoso, desaliñado y poco ágil, se sentía atraída por él. Después de descubrir que él estaba obsesionado conBrigitte Bardot, se tiñó el pelo de rubio. [cita requerida] Bailaron juntos en el baile de fin de curso, y Lennon la invitó a salir. Cuando ella respondió que estaba comprometida, él le dijo: «Joder, no te he pedido que te cases conmigo, ¿no?» Esa noche, en el pub Ye Cracke, se convirtieron en pareja. Rápidamente se hicieron inseparables, pasaban largas horas juntos en los bares y en el cine. Ella comenzó a acompañarlo a los conciertos con The Quarrymen; más tarde, desconcertada por estar separada de él durante las giras de The Beatles en Hamburgo, viajó a Alemania para estar junto a él. Lennon, celoso por naturaleza, con el tiempo se volvió posesivo y desconfiado en su relación, y muchas veces recurría a la violencia física.
Recordando su reacción en 1962 cuando se enteró de que Cynthia estaba embarazada, Lennon dijo: «Estaba un poco sorprendido cuando me lo contó pero me dijo: 'Sí, vamos a tener que casarnos.' Yo no tuve problema con ello.» Sus familiares le aconsejaron que no se sintiera obligado, pero les dijo, «Me voy a casar con Cynthia.» La pareja se casó el 23 de agosto en la Oficina de Registro Civil de Mount Pleasant, en Liverpool, con el mánager Brian Epstein como padrino de boda. Los familiares de Lennon se negaron a asistir. Su matrimonio comenzó justo cuando sus compromisos con The Beatles iban en aumento: la popularidad del grupo fue etiquetada como la Beatlemanía, que se apoderó de todo el Reino Unido. Tocó con la banda esa misma noche, y seguiría haciéndolo casi a diario a partir de entonces. Epstein, por temor a que los fans se desanimaran por la idea de un Beatle casado, pidió a los Lennon mantener en secreto su matrimonio. Cynthia cumplió en no decirle a nadie, y cuando le era preguntado su nombre respondía que era Phyllis McKenzie y que nunca había oído hablar de Lennon. Julian nació el 8 de abril de 1963; Lennon estaba de gira en ese momento y no pudo ver a su hijo hasta tres días después.
Cynthia atribuye el inicio de su ruptura matrimonial con el LSD. Después de su primera ingestión involuntaria cuando su dentista lo agregó al café, Lennon hizo uso cada vez mayor de ella. Como resultado, Cynthia sintió, que perdió interés en ella.Cuando el grupo viajó en tren a Bangor, Gales en 1967 para el seminario de Meditación trascendental con el Maharishi Mahesh Yogi, se separó de él en el andén cuando salían. Un policía, que no la reconoció, le impidió que subiera y el tren partió sin ella. Recuerda cómo, a pesar de que sabía que podía viajar fácilmente al seminario por otros medios, el incidente fue profundamente triste para ella, ya que parecía simbolizar la ruptura.
Al enterarse de la relación de Lennon con Ono, Cynthia tuvo su propia aventura de una noche con Alexis Mardas. Unas semanas más tarde Mardas le dijo que Lennon estaba buscando el divorcio y la custodia de Julián por razón de su adulterio, a lo que Mardas sería testigo. Después de la negociación, Cynthia rindió y accedió a divorciarse de él por los mismos motivos. El caso fue resuelto fuera de corte, dándole Lennon £100,000, aproximadamente cada mes por ese momento, junto con £2,400 al año, la custodia de Julián, y la propiedad de su casa.
2. Brian Epstein
Lennon conoció a Brian Epstein cuando The Beatles tocaban en el Cavern Club de Liverpool en 1961. Cierto judío, dueño de una tienda de discos, Epstein era homosexual, en una época de fuertes prejuicios sociales contra la homosexualidad. Pronto se convirtió en el mánager de la banda, papel en el que permaneció hasta su muerte en 1967. Según el biógrafo Philip Norman, una de sus razones para hacerlo fue que se sintió atraído físicamente por Lennon. El biógrafo Bill Harry no está de acuerdo con esta idea, diciendo que los miembros de la banda «no eran el tipo de parejas sexuales en las que Brian estaba interesado.»
Casi tan pronto como Julián nació, Lennon se fue de vacaciones a España con Epstein, lo que llevó a la especulación sobre su relación. Interrogado al respecto más tarde, Lennon dijo: «Bueno, era casi una historia de amor, pero no del todo. Nunca se consumó. Pero fue una relación muy intensa. Fue mi primera experiencia con un homosexual siendo consciente de su condición. Solíamos sentarnos en un café en Torremolinos mirando a todos los chicos y yo decía, '¿Te gusta ese? ¿Te gusta este?' Yo estaba más bien disfrutando de la experiencia, pensando como un escritor todo el tiempo: estoy experimentando esto.»Poco después de su regreso de España, en la fiesta del cumpleaños veintiuno de McCartney en junio de 1963, Lennon agredió físicamente al MC del Cavern ClubBob Wooler por decir «¿Cómo estuvo tu luna de miel, John?» El MC, conocido por sus juegos de palabras y comentarios cariñosos, pero sarcásticos, estaba haciendo una broma, pero diez meses habían transcurrido desde el matrimonio de Lennon, y la luna de miel, tardo todavía dos meses. Para Lennon, borracho, la cuestión era simple: «Me llamó Queer [maricón], así que golpeé sus desagradables costillas». En 1991, un relato ficticio sobre las vacaciones de Lennon/Epstein se convirtió en la película independiente The Hours And Times.
A Lennon le encantaba burlarse de Epstein por su homosexualidad y por el hecho de que era judío, a menudo lo ridiculizaba con comentarios sarcásticos. Cuando Epstein les pidió sugerencias para el título de su autobiografía, Lennon ofreció Queer Jew [Judío maricón]. Al enterarse del título final, A Cellarful of Noise, le dijo a un amigo, «Más bien A Cellarful of Boys [Un desván de chicos]». También solía burlarse de Epstein cambiando algunas letras de sus canciones, como el cambio de «baby, you're a rich man too» a «baby, you're a rich fag Jew» [«bebé, eres un rico maricón judío»].
3. Julian Lennon
Lennon se distanció de Julian, su primer hijo, debido a sus compromisos con The Beatles en el auge de la Beatlemanía durante su matrimonio con Cynthia. Lennon estaba de gira con The Beatles cuando Julian nació el 8 de abril de 1963. El nacimiento, al igual que el matrimonio de su madre Cynthia con John, se mantuvo en secreto porque Epstein estaba convencido de que si se hacía público tales cosas pondría en peligro el éxito comercial de The Beatles. Julian recuerda que unos cuatro años más tarde, cuando era un niño pequeño de Weybridge, «iba de regreso a casa de la escuela y llegue caminando con una de mis pinturas de acuarela. Era sólo un montón de estrellas y esta chica rubia que conocí en la escuela. Y Papá dijo: '¿Qué es esto?' Yo dije, 'Es Lucy en el cielo con diamantes' ['Lucy in the sky with diamonds']. Lennon lo utilizó como título para una canción de The Beatles, aunque más tarde se especuló que deriva de las iniciales LSD. Julian estaba alejado de John, inclusive, se sentía más cercano a McCartney que a su padre. Durante un viaje en coche para visitar a Cynthia y Julian durante el divorcio de Lennon, McCartney compuso una canción, «Hey Jules», para consolarlo. Que se convertiría en la canción de The Beatles «Hey Jude». Lennon dijo después, «Esa es su mejor canción. Empezó como una canción para mi hijo Julian (...) él se convirtió en 'Hey Jude'. Yo siempre pensé que era sobre mí y Yōko, pero él dijo que no era así.»
La relación de Lennon con su primer hijo fue siempre tensa. Después de 1971 Lennon y Ono se mudaron a Nueva York y Julian no vio a su padre hasta 1973. Con el apoyo de Pang, su madre y él se organizaron para visitar a Lennon en su casa en Los Ángeles donde fueron a Disneylandia. Julian empezó a ver a su padre con regularidad, y Lennon le dio lugar para que tocara la batería en una pista de Walls and Bridges. Le compró una guitarra Gibson Les Paul y otros instrumentos, y animó su interés por la música enseñándole técnicas de acordes de guitarra. Julian recuerda que él y su padre «se llevaron mucho mejor» durante el tiempo que pasó en Nueva York: «Nos hemos divertido, se río mucho y la pasamos muy bien en general.»
En 1980, Lennon le dijo a Playboy durante una entrevista, «Sean era un niño planeado, y ahí radica la diferencia. No es que no quiera a Julian. Por mucho que viniera de una botella de whiskey o porque entonces no había píldoras, es mi hijo, y siempre lo será.». En una entrevista poco antes de su muerte, Lennon dijo que estaba tratando de volver a establecer una conexión con su entonces hijo de 17 años, y predijo con confianza que «en el futuro, Julian y yo tendremos unos vínculos mucho mejores.» Después de su muerte se supo que le había dejado muy poco en su testamento.
4. Yōko Ono
En una de sus últimas grandes entrevistas Lennon dijo que hasta que conoció a Yōko Ono, nunca había cuestionado su actitud machista a las mujeres. La canción de The Beatles «Getting Better», dijo, cuenta su propia historia: «Todo eso de 'Solía ser cruel con mi mujer, la golpeaba y apartaba de todo lo que le gustaba' era realmente yo. Yo solía ser cruel con mi mujer, de modo físico —con cualquier mujer. Era un golpeador. No podía expresarme y lo que hacía era golpear. Peleé con hombres y golpeé mujeres. Por eso es que siempre estoy con la paz.» Hay dos versiones sobre cómo Lennon conoció a Ono durante su matrimonio con Cynthia. De acuerdo a la primera, el 9 de noviembre de 1966 Lennon fue a la galería Indica de Londres, donde Ono estaba preparando su exposición de arte conceptual, y fueron presentados por el galerista John Dunbar. Lennon se sintió intrigado por la obra de Ono «Clavar un clavo»: los clientes clavan un clavo en una tabla de madera, creando de esa manera la obra de arte. Aunque la exposición aún no había comenzado, Lennon quería clavar el clavo en la tabla, pero Ono lo detuvo. Dunbar le preguntó: «¿No sabes quién es? Es un millonario! Él podría pagar dinero.» Ono no había oído hablar de The Beatles, pero cedió con la condición de que Lennon pagara sus cincochelines. Lennon respondió: «Te voy a dar cinco chelines imaginarios y clavo con un martillo falso.» La segunda versión, contada por McCartney, es que a finales de 1965, Ono se encontraba en Londres recopilando partituras musicales originales para un libro en el queJohn Cage estaba trabajando.McCartney se negó a darle algún manuscrito para el libro, pero sugirió que Lennon podría hacerlo. Cuando le preguntó, Lennon dio a Ono el escrito original de la letra de «The Word». (Esta última está incluida en el libro de Cage,Notations.)
Ono comenzó a llamar por teléfono a la casa de Lennon. Cuando su esposa pidió una explicación, le dijo que Ono era una persona loca tratando de obtener dinero para su «mierda vanguardista».Mientras que su esposa estaba de vacaciones en Grecia, Lennon invitó a Ono a su casa. Pasaron la noche grabando lo que sería el álbum Two Virgins, después de lo cual, dijeron, hicieron el amor en la madrugada.Cuando la esposa de Lennon volvió a casa encontró a Ono vestida con su bata de baño, bebiendo té con Lennon que simplemente dijo: «Ah, hola». Ono abortó el 21 de noviembre de 1968. Desde el principio, la relación era extraña. En una entrevista de 1981, Ono alegremente comentó: «Yo solía decirle [a Lennon], 'creo que eres un marica de armario, lo sabes'. Porque después de que empezamos a vivir juntos, John me decía, '¿Sabes por qué me gustas? Porque te pareces a un tipo travestí.'» Según el escritor Albert Goldman, Ono fue considerada por Lennon como un «ser mágico» que podría resolver todos sus problemas, pero esto era solo una «gran ilusión», y abiertamente lo engañó con gigolós; eventualmente al mismo tiempo «él y Yōko se fueron aquietando tras años de duras drogas, el exceso de trabajo, crisis emocionales, curadores charlatanes y dietas extrañas, por no hablar de los efectos de vivir constantemente en la mirada de los medios de comunicación.» Después de su separación, «al no haber más colaboración como equipo, se mantuvieron en constante comunicación (...) Al no poder vivir juntos, se dieron cuenta que no podían vivir separados tampoco.»
Durante sus los últimos dos años con The Beatles, él y Ono comenzaron a realizar protestas públicas contra la guerra de Vietnam. Se casaron en Gibraltar el 20 de marzo de 1969, y pasaron su luna de miel en Ámsterdam en su campaña de protesta, con una larga semana de Encamada por la paz. Planearon una Encamada en los Estados Unidos, pero se les negó la entrada, por lo que la realizaron el Hotel Queen Elizabeth en Montreal, donde grabaron «Give Peace a Chance». A menudo lo promocionaban en sus actuaciones artísticas, como el «Bagism», presentado por primera vez durante una conferencia de prensa en Viena. Lennon detalló este período en la canción de The Beatles «The Ballad of John and Yoko». Lennon cambió su nombre oficialmente el 22 de abril de 1969, y agregó «Ono» como su segundo nombre. La breve ceremonia tuvo lugar en la azotea del edificio de Apple Corps, popularizada tres meses antes por el concierto en la azotea de The Beatles. A pesar de que desde ese momento utilizó el nombre de John Ono Lennon, los documentos oficiales se referían a él como John Winston Ono Lennon, ya que no se le permitió revocar el nombre que se le dio al nacer. Tiempo después, Ono resultó herida en un accidente de coche, por lo que Lennon ordenó que una cama extra grande fuera llevada al estudio de grabación mientras trabajaba en el último álbum de The Beatles, Abbey Road. Para escapar de la acrimonia situación por la separación de la banda, Ono sugirió que se mudaran permanentemente a Nueva York, lo que hicieron el 31 de agosto de 1971. Primero vivieron en el Hotel St. Regis en la 5ta Avenida, en la calle 55, luego se trasladaron a la calle 105 Bank,Greenwich Village, el 16 de octubre de 1971. Después de un robo, se mudaron a un lugar más seguro en el Dakota en el número 1 de la calle 72, en mayo de 1973.
5. May Pang
Cuando Lennon decidió producir el álbum de Nilsson Pussy Cats, Pang alquiló una casa en la playa para todos los músicos. Juntos, Lennon y Nilsson pronto comenzaron a caer en los excesos del alcohol, y sus embriagueces fueron objeto de información para los tabloides. Dos incidentes ampliamente publicitados ocurrieron en el club The Troubadour en marzo de 1974: la primera cuando Lennon puso una toalla femenina Kotex en su frente y se peleó con una camarera, y la segunda, dos semanas más tarde, cuando Lennon y Nilsson fueron expulsados del mismo club después de interrumpir la presentación de los Smothers Brothers.En otra ocasión, después de un malentendido con Pang, Lennon intentó estrangularla, sólo soltándola hasta que fue detenido por Nilsson.
En 1975, Lennon le dijo a Bob Harris en The Old Grey Whistle Test, «Nos divertimos a montones. Estábamos Keith Moon, Harry, yo, Ringo todos viviendo juntos en una casa, y tuvimos algunos momentos de unidad [...] pero hubo un momento en que me emborraché y grité. Golpeé la botella como si tuviera 18 o 19 años y estaba actuando como si estuviera todavía en la universidad. Fue la primera noche que bebí Brandy Alexanders [...] yo estaba con Harry Nilsson, que no tuvo tanta cobertura como yo».
Regresó a Nueva York con Pang en junio de 1974 para terminar el trabajo en Pussy Cats y grabar Walls and Bridges y reservaron una habitación en su recién rentado apartamento por la visita de Julian. Lennon, hasta entonces inhibido por Ono en este sentido, comenzó a restablecer el contacto con otros familiares y amigos. Por diciembre, él y Pang estaban considerando comprar una casa, y se negaba a aceptar las llamadas telefónicas de Ono. En enero de 1975, accedió a reunirse con Ono —quien dijo que había encontrado una cura para el hábito de fumar— y después de la reunión, no regresó a su casa ni llamó a Pang. Cuando Pang llamó por teléfono al día siguiente, Ono le dijo que Lennon no se encontraba, pues estaba agotado después de una sesión de hipnoterapia. Dos días más tarde, Lennon reapareció aturdido y confundido hasta tal punto que Pang creía que había sido lavado del cerebro. Le dijo que la separación con Ono había ya finalizado.
6. Sean Lennon
Cuando Lennon y Ono se volvieron a juntar, ésta quedó embarazada, pero tras haber experimentado tres abortos involuntarios en su intento de tener un hijo con Lennon, dijo que no quería tenerlo. Estuvo de acuerdo en permitir que el embarazo continuara con la condición de que Lennon adoptara el papel de amo de casa, a lo cual él estuvo de acuerdo. Sean nació el 9 de octubre de 1975, en el cumpleaños 35 de Lennon, por cesárea. Tenía un fotógrafo personal que tomaba fotos a Sean todos los días durante su primer año, y creó numerosos dibujos para él, posteriormente publicados en Real Love: The Drawings for Sean. Lennon más tarde declaró con orgullo: «Él no salió de mi vientre, pero, por Dios, yo hice sus huesos, porque yo atendía todas sus comidas, y la forma en que duerme, y el hecho de que nada como un pez».7. Miembros de The Beatles
A pesar de que su amistad con Ringo Starr se mantuvo constantemente activa durante los años siguientes a la ruptura de The Beatles en 1970, la relación con McCartney y Harrison fue variada. Se mantuvo cercano a Harrison al principio, pero perdieron contacto después de que Lennon se mudara a Estados Unidos. Cuando Harrison se encontraba en Nueva York en diciembre de 1974 para su gira Dark Horse, Lennon estuvo de acuerdo en reunirse con él arriba del escenario, pero no se presentó después de una discusión por la negativa de Lennon a firmar un acuerdo que disolvería como asociación legal a The Beatles (Lennon finalmente firmó los papeles en Walt Disney World en Florida, mientras estaba de vacaciones allí con Pang y Julian). Harrison hizo enfurecer a Lennon en 1980 cuando publicó una autobiografía en la que hizo muy poca mención de él. Lennon le dijo a Playboy: «Me lastimó. Por la evidente omisión [...] mi influencia sobre él era absolutamente nula, cero [...] recuerda absolutamente todos los saxos y guitarras que ha conocido, pero no me menciona a mí ni una sola vez».
Los sentimientos más duros de Lennon estaban reservados para McCartney. Además de atacarlo a través de la letra de «How Do You Sleep?», discutió con él a través de la prensa durante tres años después de la separación del grupo. Posteriormente comenzaron a restablecer la estrecha amistad que habían tenido una vez, e incluso, en 1974, volvieron a tocar juntos para lo que sería la única vez que lo haría (véase A Toot and a Snore in '74), antes de perder contacto una vez más. Lennon dijo que durante la última visita de McCartney, en abril de 1976, vieron el episodio de Saturday Night Live en el que Lorne Michaels hizo una oferta en efectivo de $3,000 para reunir a The Beatles en el programa.La pareja había considerado ir al estudio para realizarles una broma, tratando de reclamar su parte del dinero, pero estaban muy cansados. El evento fue fingido en la película televisiva Two of Us (2000).
Junto con su alejamiento con McCartney, Lennon siempre sintió una competitividad musical contra él y siempre se mantuvo a la expectativa de su música. Durante su auto-impuesto descanso de cinco años estaba feliz de estar sentado mientras McCartney estaba produciendo a lo que Lennon vio como basura. Cuando McCartney publicó Coming Up en 1980, el año en que Lennon regresó al estudio y el último año de su vida, la consideró como buena. Ese mismo año se le preguntó si el grupo se veía como enemigos o como los mejores amigos, a lo que contestó que no lo eran, y que no había visto a ninguno de ellos en mucho tiempo. Pero también dijo «Sigo queriendo a los chicos. The Beatles terminaron, pero John, Paul, George y Ringo siguen adelante».
A pesar de que su amistad con Ringo Starr se mantuvo constantemente activa durante los años siguientes a la ruptura de The Beatles en 1970, la relación con McCartney y Harrison fue variada. Se mantuvo cercano a Harrison al principio, pero perdieron contacto después de que Lennon se mudara a Estados Unidos. Cuando Harrison se encontraba en Nueva York en diciembre de 1974 para su gira Dark Horse, Lennon estuvo de acuerdo en reunirse con él arriba del escenario, pero no se presentó después de una discusión por la negativa de Lennon a firmar un acuerdo que disolvería como asociación legal a The Beatles (Lennon finalmente firmó los papeles en Walt Disney World en Florida, mientras estaba de vacaciones allí con Pang y Julian). Harrison hizo enfurecer a Lennon en 1980 cuando publicó una autobiografía en la que hizo muy poca mención de él. Lennon le dijo a Playboy: «Me lastimó. Por la evidente omisión [...] mi influencia sobre él era absolutamente nula, cero [...] recuerda absolutamente todos los saxos y guitarras que ha conocido, pero no me menciona a mí ni una sola vez».
Los sentimientos más duros de Lennon estaban reservados para McCartney. Además de atacarlo a través de la letra de «How Do You Sleep?», discutió con él a través de la prensa durante tres años después de la separación del grupo. Posteriormente comenzaron a restablecer la estrecha amistad que habían tenido una vez, e incluso, en 1974, volvieron a tocar juntos para lo que sería la única vez que lo haría (véase A Toot and a Snore in '74), antes de perder contacto una vez más. Lennon dijo que durante la última visita de McCartney, en abril de 1976, vieron el episodio de Saturday Night Live en el que Lorne Michaels hizo una oferta en efectivo de $3,000 para reunir a The Beatles en el programa. La pareja había considerado ir al estudio para realizarles una broma, tratando de reclamar su parte del dinero, pero estaban muy cansados. El evento fue fingido en la película televisiva Two of Us (2000).
- Activismo Politico
- Actividades contra la guerra y por los derechos civiles
Lennon y Ono usaron su luna de miel como una Encamada por la paz en el hotel Hilton deÁmsterdam. El evento, que se llevó a cabo en marzo de 1969, atrajo la cobertura de los medios de comunicación de todo el mundo, al igual que una segunda encamada por la paz llevada a cabo tres meses más tarde en el Hotel Queen Elizabeth en Montreal.Grabada durante la segunda encamada, y rápidamente tomada como un himno contra la guerra, «Give Peace a Chance» fue cantada por un cuarto de millón de manifestantes contra laGuerra de Vietnam en Washington, DC el 15 de octubre, el segundo día de protesta contra la guerra.
Cuando Lennon y Ono se mudaron a Nueva York en agosto de 1971, se hicieron amigos de dos de los integrantes de los Chicago Seven, los activistas contra la guerra Jerry Rubin yAbbie Hoffman. Otro activista contra la guerra, John Sinclair, poeta y cofundador del partido de las Panteras Blancas, cumplía diez años en la prisión estatal por la venta de dosporros de marihuana después de una serie de condenas anteriores por posesión de droga.En el concierto «Free John Sinclair» en Ann Arbor, Míchigan el 10 de diciembre 1971, Lennon y Ono aparecieron en el escenario con David Peel, Phil Ochs, Stevie Wonder,Bob Seger y otros músicos, así como Rubin y Bobby Seale del Partido Pantera Negra.A través de su nueva canción «John Sinclair», pidió a las autoridades «déjenlo ser, pónganlo en libertad, que sea como tú y yo». Alrededor de unas 20,000 personas estuvieron presentes en la manifestación, y tres días después, el Estado de Míchigan dejó libre a Sinclair.La actuación fue grabada, y más tarde apareció en John Lennon Anthology (1998) y Acoustic (2004).
Después de la masacre del Domingo Sangriento en 1972, en la que 27 manifestantes fueron asesinados por el ejército británico durante una marcha de la Asociación por los derechos civiles de Irlanda del Norte, Lennon dijo que, dada la posibilidad de elegir entre el ejército y el IRA, él estaría del lado de este último, y en 2000, el servicio de seguridad nacional británico MI5 dijo que Lennon había dado dinero al IRA. El biógrafo Bill Harry cuenta que tras el Domingo Sangriento, Lennon y Ono apoyaron económicamente la producción de la película The Irish Tapes, un documental político que apoyaba al IRA. De acuerdo con informes del FBI, Lennon simpatizaba conTariq Ali del Grupo Internacional Marxista; Ali, escribiendo para The Guardian en 2006, llamó a esto «cierto». Lennon y Ono mostraron su solidaridad con los trabajadores del Grupo de Astilleros de Clydeside (UCS) durante su work-in en 1971 mediante el envío de un ramo de rosas rojas y un cheque por £5.000.
Tras el impacto de «Give Peace a Chance» y «Happy Xmas (War is Over)», ambas fuertemente asociadas con el movimiento contra la Guerra de Vietnam, el gobierno de Nixon, al oír los rumores de la participación de Lennon en un concierto que se celebraría en San Diego, al igual que la Convención Nacional Republicana, trataron de deportarlo. Nixon creía que las actividades de Lennon contra la guerra podrían costarle su reelección; El senador republicano Strom Thurmond aseguró en una nota en febrero de 1972, que «la deportación sería una contraofensiva estratégica» contra Lennon. El mes siguiente el Servicio de Inmigración y Naturalización inició un proceso de deportación, argumentando que su delito menor por posesión de cannabis en Londres en 1968 hacía que no fuera admitido en los Estados Unidos. Lennon pasó los siguientes cuatro años en los tribunales por su deportación. Mientras la batalla legal continuó, atendió reuniones e hizo apariciones en televisión. Lennon y Ono coorganizaron el Show de Mike Douglas durante una semana en febrero de 1972, introduciendo a los invitados, tales como Jerry Rubin y Bobby Seale a medio Estados Unidos. En 1972,Bob Dylan escribió una carta a la INS en defensa de Lennon:
«John y Yōko pusieron una gran expresión y dirección a la llamada institución del arte del país. Inspiran, trascienden y estimulan al hacerlo, sólo ayudando a otros para ver la luz pura y al hacerlo, ponen fin a este torpe gusto por el comercialismo que se hace presente en los abrumadores medios de comunicación. ¡Viva John y Yōko! Que se queden a vivir y respiren aquí. El país tiene lugar y espacio. ¡Dejar que John y Yōko se queden!»
El 23 de marzo de 1973, se le ordenó salir de los Estados Unidos dentro de 60 días. A Ono, por su parte, le fue concedida la residencia permanente. En respuesta, Lennon y Ono, realizaron una conferencia de prensa el 1 de abril de 1973 en Nueva York, donde se anunció la formación del estado de Nutopia, un lugar «sin países, sin fronteras, pasaportes, nada, sólo gente». Agitando la bandera blanca de Nutopia (dos pañuelos), pidieron asilo político en los Estados Unidos. La conferencia de prensa fue filmada, y más tarde aparecería en el documental de 2006 The U.S. vs. John Lennon. Su álbum Mind Games (1973) incluyó el tema «Nutopian Internacional Anthem» (son sólo tres segundos de silencio).173 Poco después de la conferencia de prensa, la implicación de Nixon en el escándalo político salió a la luz, y en junio las audiencias de Watergate comenzaron en Washington, DC. Esto llevó a la renuncia del presidente 14 meses después. El sucesor de Nixon, Gerald Ford, mostró poco interés en continuar la batalla contra Lennon, y la orden de expulsión fue anulada en 1975. Al año siguiente, su estado de inmigración de Estados Unidos fue finalmente resuelto, recibió suTarjeta de residencia permanente de Estados Unidos, y cuando Jimmy Carter asumió la presidencia en enero de 1977, Lennon y Ono asistieron al evento inaugural.
3. Vigilancia del FBI y documentos retenidos
Después de la muerte de Lennon, el historiador Jon Wiener presentó una Acta para la Liberación de Información de los archivos del FBIsobre los intentos de deportación. El FBI admitió que había 530 páginas de archivos sobre Lennon, pero se negó a publicar íntegramente la mayor parte de ellos debido a que contenían información de seguridad nacional. En 1983, Wiener demandó al FBI con la ayuda de la Unión Estadounidense por las Libertades Civiles del Sur de California. Se tomaron 14 años de litigio para obligar al FBI a liberar los archivos retenidos. La ACLU, en representación de Wiener, ganó una decisión favorable en su demanda contra el FBI en el Noveno Circuito en 1991. El Departamento de Justicia apeló la decisión de la Suprema Corte en abril de 1992, pero el tribunal se negó a revisar el caso.179 En 1997, respetando la recién promovida regla del presidente Bill Clinton que consistía en que los documentos sólo deben ser retenidos si su publicación conlleva a «daño previsible», el Departamento de Justicia resolvió la mayoría de los asuntos pendientes fuera de la corte para la publicación de todos los controvertidos documentos excepto 10 de ellos. Wiener publicó los resultados de su campaña de 14 años en enero del año 2000. Gimme Some Truth: The John Lennon FBI Files contenía facsímiles de los documentos, incluidos los «largos informes de los espías confidenciales que detallan la vida cotidiana de los activistas contra la guerra, las notas a la Casa Blanca, transcripciones de los programas de televisión en los que aparece Lennon, y una propuesta para que Lennon fuera detenido por la policía local por delitos de drogas». La historia es contada en el documentalThe U.S. vs. John Lennon. Los últimos 10 documentos de los archivos del FBI sobre Lennon, que informaban sobre sus vínculos con activistas de Londres en 1971 y que habían sido retenidos por contener «información de seguridad nacional suministrada por un gobierno extranjero bajo una promesa explícita de confidencialidad», fueron publicados en diciembre de 2006. No contenían ninguna indicación de que el gobierno británico había considerado a Lennon como una seria amenaza; un ejemplo del material publicado fue un informe proveniente de dos izquierdistas británicos que esperaban que Lennon financiara una librería de izquierda y una sala de lectura.
4. Instrumentos tocados
A lo largo de su carrera, Lennon tocó distintos instrumentos, incluyendo instrumentos de percusión y la flauta. Durante su infancia, su primer instrumento tocado fue el banjo. Su madre le enseñó a tocarlo, y tiempo después, le compró una guitarra acústica. Su forma de tocar el órgano de boca sorprendió al conductor durante un viaje en autobús para visitar a su primo en Escocia. Impresionado, le dijo a Lennon sobre una armónica que podría conseguir si iba a Edimburgo el día siguiente, donde se había almacenado una en la estación de autobuses por un pasajero que la había dejado en un autobús. Dicho instrumento profesional reemplazó rápidamente sus juguetes. Posteriormente, seguiría tocando la armónica, a menudo utilizándola durante los años de The Beatles en Hamburgo, y se convirtió en un sonido característico durante las primeras grabaciones del grupo.
A los 16 años tocaba la guitarra acústica con The Quarrymen. Al avanzar su carrera a través de los años 1960 y 1970, tocó distintas guitarras eléctricas, sobre todo la Rickenbacker 325, Epiphone Casino y una Gibson J-160E; además, desde el principio de su carrera en solitario, la Gibson Les Paul Junior. Su otro instrumento preferido fue el piano, en el cual compuso muchas canciones, incluyendo «Imagine», que es descrito como su trabajo en solitario más conocido. Su colaboración con McCartney en un piano en 1963 llevó a la creación del primer número uno de The Beatles en Estados Unidos, «I Wanna Hold Your Hand». De vez en cuando tocaba un bajo de seis cuerdas, el Fender Bass VI, que proporcionaba el sonido del bajo en los temas donde McCartney se ocupaba de otro instrumento.
5. Estilo vocal
Desde sus primeros días con The Beatles, la voz de Lennon fue reconocida como distintiva y versátil. En la grabación de «Twist and Shout», el último tema de la sesión de un día que realizó la banda en 1963 para su álbum debut Please Please Me, su voz, ya afectada por un resfriado, estuvo a punto de acabarse. Lennon dijo: «No podía cantar la maldita cosa, estaba gritando». En palabras del biógrafo Barry Miles, «Lennon simplemente destrozó sus cuerdas vocales en los intereses del rock 'n' roll». El productor de The Beatles,George Martin, cuenta que Lennon «tenía una aversión innata de su propia voz que nunca pude entender. Siempre me decía: '¡Haz algo con mi voz! [...] pon algo en ella [...] Hazla 'diferente'». Martin, obligado, a menudo utilizó la grabación en pista doble y otras técnicas. El crítico musical Robert Christgau dice que su «mejor actuación vocal [de Lennon] [...] de gritar a gemir, es lograda electrónicamente [...] filtrada, en efecto de eco y en doble pista».
En su época con The Beatles así como en su carrera en solitario, su voz fue adquiriendo una capacidad de expresión cada vez mayor. El biógrafo Chris Gregory escribió que Lennon estuvo «provisionalmente comenzando a exponer sus inseguridades en una serie de baladas acústicas 'confesionales', comenzando así el proceso de la 'terapia pública' que finalmente culminaría en los primales gritos de «Cold Turkey» y el catártico John Lennon/Plastic Ono Band.» David Stuart Ryan comentó que Lennon oscila de la «extrema vulnerabilidad, sensibilidad e incluso ingenuidad» en su estilo vocal a un duro estilo «rasposo». Wiener también describe contrastes, dice que su voz puede ser «al principio tenue; pronto ésta casi se quiebra con desesperación». En todos sus estilos empleados, transmitía emoción. El historiador musical Ben Urish señaló después de haber oído la interpretación de «This Boy» por The Beatles en su presentación en Ed Sullivan Show en la radio unos días después del asesinato de Lennon: «Como la voz de Lennon alcanzó su punto más alto [...] duele mucho oírle gritar con tanta angustia y emoción. Pero eran mis emociones al escuchar su voz. Como siempre las tuve».
6. Escritura y arte
El biógrafo Bill Harry escribe que Lennon empezó a dibujar y escribir de forma creativa a una edad temprana con el apoyo de su tío. Coleccionó sus cuentos, poesías, dibujos animados y caricaturas en un libro de ejercicios de la Quarry Bank High School que él llamóDaily Howl. Los dibujos eran a menudo de gente lisiada, y escritos satíricos, y en todo el libro abundaban los juegos de palabras. Según su compañero Bill Turner, Lennon creó Daily Howl para divertir a su mejor amigo y más tarde compañero de The Quarrymen,Pete Shotton, a quien le mostraría su obra antes que cualquier otra persona. Turner dijo que Lennon «tenía una obsesión por Wigan Pier. Esto surgió de pronto», y en la historia de Lennon, A Carrot In A Potato Mine, escribe: «la mina estaba al final de Wigan Pier». Turner describió cómo uno de los dibujos animados de Lennon representa una señal de parada de autobús con la pregunta: «¿Por qué?». Sobre ella había un panqueque volando, y abajo, «un ciego con gafas caminando con un perro para ciegos —también con gafas».
El amor de Lennon por los juegos de palabras y sin sentido encontró una audiencia más amplia cuando tenía 24 años. Harry escribe que In His Own Write (1964) se publicó después de que «Algún periodista que seguía de acerca a The Beatles vino conmigo [Lennon] y acabé enseñándole las cosas. Ellos dijeron: 'Escribe un libro' y así es como se publicó el primero». Al igual que Daily Howl, contenía una mezcla de distintos formatos incluyendo historietas, poesía, obras de teatro y dibujos. Una de las historias, Good Dog Nigel (Buen perro Nigel en español), cuenta la historia de «un perro feliz, orinando en un poste de luz, ladrando, moviendo la cola, hasta que de repente escucha un mensaje que va a ser asesinado a las tres». The Times Literary Supplement considera los poemas y cuentos «notables [...] muy divertidos [...] las tonterías se demuestran en las palabras y las imágenes provocando unos a otros una cadena de pura fantasía». La revisión concluía diciendo: «Vale la pena la atención de cualquier persona que teme por el empobrecimiento del idioma inglés y la imaginación británica [...] humoristas han hecho demasiado para preservar y enriquecer estas posesiones que la mayoría de los críticos serios permiten. El suyo es sin duda nuestra corriente más animada de 'escritura experimental' [...] Lennon muestra a sí mismo lo bien preparado que está para ir más lejos». Book Week reportó que «Se trata de una escritura sin sentido, pero uno sólo tiene que revisar lo absurdo de la literatura para ver lo bien que Lennon lo expone. Si bien algunos de sus homónimos son juegos de palabras baratos, muchos otros no sólo tienen doble sentido sino que llega a dobles extremos». Lennon se sorprendió por la reacción positiva: «Para mi asombro, les gustó a los revisores [...] No pensé que el libro fuese revisado [...] Tampoco pensé que la gente aceptaría el libro como lo hicieron. Tomaron el libro más seriamente de lo que yo lo hice. Para mí, únicamente comenzó como una broma».
En combinación con A Spaniard in the Works (1965), In His Own Write formó las bases para la obra de teatro The John Lennon Play: In His Own Write co adaptada por Víctor Spinetti y Adrienne Kennedy. Después de negociaciones entre Lennon, Spinetti y el director artístico del Teatro Nacional, Sir Laurence Olivier, la obra se estrenó en el Old Vic en 1968. Lennon asistió a la presentación en la noche de apertura, una de sus primeras apariciones públicas con Ono.197 Después de la muerte de Lennon, más obras se publicaron, incluyendo Skywriting by Word of Mouth (1986), Ai: Japan Through John Lennon's Eyes: A Personal Sketchbook (1992), con ilustraciones de Lennon de las definiciones de palabras japonesas, y Real Love: The Drawings for Sean (1999). The Beatles Anthology(2000) también presentó ejemplos de sus escritos y dibujos.
7. Legado
Lennon provocó un gran impacto cultural en la música. Los historiadores musicales Schinder y Schwartz escribieron sobre la transformación en los estilos de la música popular que se llevó a cabo entre los años 1950 y 1960, señalando que la influencia de The Beatles no puede ser exagerada: habiendo «revolucionado el sonido, el estilo y la actitud de la música popular y abrió las puertas del rock and roll a una ola de grupos de británicos», el grupo «pasó el resto de la década de 1960 ampliando las fronteras estilísticas del rock». Liam Gallagher y su grupoOasis son entre los muchos que reconocen la influencia de la banda, identificando a Lennon como un héroe; en 1999 nombró a su primer hijo Lennon Gallagher en su honor, incluso en 2008, Oasis lanzo el segundo sencillo del album Dig Out Your Soul, I'm Outta Time,al final de esta,incluye un corto de una entrevista de John para BBC. Las canciones icónicas de Lennon han llegado a inspirar y simbolizar los ideales de las masas. En el Día de la Poesía Popular de 1999, después de la realización de una amplia encuesta para identificar la letra de canción favorita del Reino Unido, la BBC anunció a «Imagine» como la ganadora.
En 2006 en un artículo de The Guardian, Jon Wiener escribió:
«En cierto modo, Lennon era ingenuo. Cuando se mudó a Nueva York, pensó que iba a venir a la tierra de la libertad. Tenía poca idea del poder del Estado para echar abajo a aquellos que consideraba sus enemigos. Sus afirmaciones de que el FBI lo tenía bajo vigilancia fue rechazada como la fantasía de un ególatra, pero 300 páginas de los archivos del FBI, publicados después de su asesinato, muestran que tenía razón [...] Para los jóvenes en 1972, fue emocionante ver el valor de Lennon en la defensa de Nixon. Esa disposición a correr riesgos con su carrera y su vida, es una de las razones de por qué la gente todavía lo admira en la actualidad».
La vida de Lennon fue una de búsqueda, enfrentándose a la yuxtaposición paradójica de sus ideales y de su propio temperamento humano. De acuerdo a los historiadores musicales Urish y Bielen, «lo que sigue siendo lo más intrigante y en última instancia lo más significativo son los autorretratos que Lennon dejó en sus canciones. Utilizando su propio reflejo y el detalle que vio para el público, Lennon fue más allá de sí mismo, tanto interior como exteriormente. Ese fue el regalo dado a él como un artista, y el regalo que le dio al público». Expresando tanto sus experiencias como sus ideales a través de sus letras, escriben que Lennon fue capaz de «transformar lo intensamente personal en lo profundamente universal (así como a la inversa), a menudo con humor y perspicacia. Sus canciones hablaban con, para y sobre la condición humana».
8. Reconocimientos y ventas
El trabajo del dúo compositor Lennon y McCartney es calificado como uno de los más influyentes y trascendentes del siglo XX. Como intérprete, escritor o co-escritor Lennon es responsable de 27 sencillos número uno en el Hot 100 estadounidense. Las ventas de sus álbumes en los Estados Unidos alcanzan los 14 millones de unidades.Double Fantasy, lanzado poco antes de su muerte, y su álbum de estudio mejor vendido con tres millones de copias vendidas en los Estados Unidos, ganó elPremio Grammy por álbum del año en 1981.El año siguiente, le fue concedido el Premio BRIT por Contribución Destacada a la Música. En 2002, participantes de una encuesta realizada por la BBC lo votaron octavo de «los 100 británicos más grandes». Entre 2003 y 2008, Rolling Stone reconoció a Lennon en distintas listas de artistas y música, colocándolo en el quinto puesto de la lista de «los 100 mejores cantantes de todos los tiempos» y 38º en la de «100 Greatest Artist: Los 100 artistas más grandes de todos los tiempos», y sus álbumes John Lennon/Plastic Ono Band e Imagine, en el 22º y 76º respectivamente en la de «los 500 mejores álbumes de todos los tiempos». También fue seleccionado en una encuesta realizada por Rolling Stone y votada por reconocidos guitarristas, como el 55° guitarrísta, en la lista «los 100 mejores guitarrístas de todos los tiempos» Fue nombrado Miembro del Imperio Británico (MBE)junto con los otros Beatles en 1965. Posteriormente, fue inducido al Salón de la Fama de los Compositores en 1987 y al Salón de la Fama del Rock en 1994.
Discografia
Discografia
Véase también: Discografía de The Beatles
9. Albumes experimentales
- Unfinished Music No.1: Two Virgins (con Yōko Ono) (1968)
- Unfinished Music No.2: Life with the Lions (con Yōko Ono) (1969)
- Wedding Album (con Yōko Ono) (1969)
10. Albumes de estudio
- John Lennon/Plastic Ono Band (1970)
- Imagine (1971)
- Some Time in New York City (con Yōko Ono) (1972)
- Mind Games (1973)
- Walls and Bridges (1974)
- Rock 'n' Roll (1975)
- Double Fantasy (con Yōko Ono) (1980)
- Milk and Honey (con Yōko Ono) (1984)
11. Albumes en directo
- Live in New York City (1986)
- Live Peace in Toronto 1969 (con la Plastic Ono Band) (1969)
- Con David Bowie (1): «Fame».214
- Con The Beatles (21): «Can't Buy Me Love», «I Feel Fine», «I Want to Hold Your Hand», «Love Me Do», «She Loves You», «A Hard Day's Night», «Eight Days a Week», «Help!», «Ticket to Ride», «Yesterday», «Paperback Writer», «We Can Work It Out», «All You Need Is Love», «Hello Goodbye», «Penny Lane», «Hey Jude», «Come Together», «Get Back», «For You Blue», «Let It Be», «The Long and Winding Road».
- Como co-compositor en lanzamientos de otros artistas (2): «A World Without Love» (Peter and Gordon). «Lucy in the Sky with Diamonds» (Elton John).
http://es.wikipedia.org/wiki/John_Lennon
3. Marilyn Monroe (Chicago, Estados Unidos)
- Por Siempre Marilyn
- Diseño y ubicación:
El 26 pies de altura (7,9 m) £ 34.000 (15,42 t) escultura, fabricado en acero inoxidable pintado y el aluminio, es un homenaje escultórico de gran tamaño a la escena icónica de Marilyn Monroe de Billy Wilder 's 1955 la comedia infidelidad,The Seven- Year Itch , con la figura imitando el instante en que una ráfaga de aire levanta su vestido blanco . Fue construido en Nueva Jersey antes de ser transportados a Pioneer Corte , parte de la Magnificent Mile sección de Michigan Avenue , Chicago.
En mayo de 2012, siempre Marilyn fue trasladado de Pioneer Corte a Palm Springs, California. Ahora se encuentra en el centro, en la esquina de Palm Canyon Drive y Tahquitz Canyon Way. En julio de 2013 PS Resorts anunció que The Sculpture Foundation, propietarios de siempre Marilyn , se estaría moviendo la estatua a Nueva Jersey para un mayo en septiembre de 2014 exhibición en honor a Johnson en los 42 acres Grounds for Sculpture . [ 3 ] [ 4 ]
La ubicación original de Chicago ha ofrecido numerosas estatuas en los últimos años y siempre Marilyn Johnson es el tercero de este tipo. Entre diciembre de 2008 y febrero de 2010 sus 25 metros de altura que Dios bendiga a Estados Unidos se quedó allí.Fue inspirado por Grant Wood famosa pintura 's American Gothic que se exhibe en elInstituto de Arte de Chicago .Antes de eso, 20 metros de altura de Johnson Rey Learestatua quedó allí.
2. Recepción
La estatua se convirtió rápidamente en una sesión de fotos muy popular para los turistas, tanto para el desdén de los críticos locales.Richard Roeper , escribiendo para el Chicago Sun-Times , puso en duda la pertinencia de la estatua de Chicago debido a que la película no fue filmada o conjunto en la ciudad . Roeper continuó criticando a aquellos que toman las fotografías:
Incluso peor que la propia escultura es el comportamiento de foto-op es inspirador. Los hombres (y mujeres) que lame la pierna de Marilyn, embobados bajo su falda, apuntan a sus bragas gigantes como Leer y reír. No es que la escultura es chocante o sexista u obscena - pero definitivamente sacar lo goofball juvenil en muchos de nosotros.-Richard Roeper
En agosto y septiembre de 2011 la estatua fue destrozada en tres ocasiones, la más reciente que es salpicado con pintura roja. Esto se debió a la estatua, según el director ejecutivo del Grupo de Artes Públicas de Chicago, está "cargada de significado político y provocador sentido y significado sexual".
http://en.wikipedia.org/wiki/Forever_Marilyn
- Biografria
rtenson (Los Ángeles, California, Estados Unidos, 1 de junio de1926 – ibídem, 5 de agosto de 1962), mejor conocida en el mundo artístico por su seudónimo Marilyn Monroe, fue una de las actrices estadounidenses de cine más populares del siglo XX considerada como un ícono pop y un símbolo sexual.
En 1945, Mortenson empezó a trabajar como modelo y más tarde comenzó su carrera en Hollywood con el nombre artístico de Marilyn Monroe. Desde finales de la década de 1940, apareció en muchos pequeños papeles, gracias a un contrato con Twentieth Century-Fox; durante esa etapa se destacan sus participaciones en The Asphalt Jungle(1950) y All About Eve (1950). Su primer papel protagónico lo obtuvo en la cinta de 1952 Don't Bother to Knock. Su período de mayor popularidad sucedió a partir del año siguiente, cuando encabezó filmes como Gentlemen Prefer Blondes (1953), How to Marry a Millionaire (1953) y The Seven Year Itch (1955). Tras matricularse en el Actor's Studio, fue alabada por la crítica por su labor en Bus Stop (1956). Simultáneamente, en colaboración con Milton Greene, fundó la Marilyn Monroe Productions.Su protagónico más elogiado fue el Sugar Kane para la película de 1939 Some Like it Hot (1959), por la que incluso ganó un Globo de Oro a la mejor actriz de comedia o musical.3 En sus últimos años actúo en películas como Let's Make Love (1960) y The Misfits (1960).
Estuvo casada en tres ocasiones –con James Dougherty, Joe DiMaggio y Arthur Miller– y se le atribuyeron noviazgos con los hermanos Bobby y John Kennedy. Falleció el 5 de agosto de 1962 a causa de una sobredosis de barbitúricos, en circunstancias nunca esclarecidas. La primera hipótesis que barajó la justicia estadounidense fue la desuicidio, pero esta nunca pudo ser corroborada.
- Primeros años
Gladys Pearl Baker (apellido de nacimiento Monroe, 27 de mayo de 1902 – 11 de marzo de 1984) se casó con el noruego Edward Mortenson y, poco después de separarse, descubrió que estaba embarazada. El 1 de junio de 1926 nació en Los Ángeles su hija Norma Jeane Mortenson, según consta en el registro civil para que no fuera ilegítima, y llamada Norma Jean Baker en la práctica.Gladys, que trabajó como cortadora de negativos en la productora de cine RKO Pictures, no podía mantener a su hija por problemas económicos y emocionales y la dejó al cuidado de un matrimonio adoptivo: Albert e Ida Bolender, residentes en Hawthorne (California).
Cuando Gladys consiguió una casa propia decidió llevarse consigo a su hija, pero al cabo de unos meses sufrió una crisis nerviosa y la custodia de Norma Jeane la obtuvo la mejor amiga de su madre, Grace McKee, quién despertó su interés por el cine y quién la incentivó para que fuera, en un futuro, actriz. Cuando su tutora se casó en1935 y se trasladó a la costa oeste de Estados Unidos, Norma Jeane fue dada en adopción a otras familias, hasta que dos años después consiguió la custodia. Solo por unos meses, puesto que la custodia la obtuvo poco después el tío de la mejor amiga de su madre, Olive Brunings, después de que Norma acusara al marido de Grace McKee de haberla violado. A los 12 años volvió a ser violada, esta vez por uno de los hijos de Brunings.
Pero, también a los doce años, ocurrió algo importante en su vida: descubrió que tenía una hermanastra mayor por parte de madre. Se llamaba Bereniece y empezaron a escribirse cartas, hasta que un día pudieron ponerse en contacto. Hasta la muerte de Norma, ya convertida en la gran estrella Marilyn Monroe, las hermanastras tuvieron una relación muy estrecha. Norma descubrió que no estaba tan sola como creía. Mientras tanto, después de la violación, se fue a vivir con una de las tías de McKee hasta que la señora empezó a tener problemas de salud y le fue imposible cuidar de ella. De nuevo en casa de McKee, Norma tomó una decisión que cambiaría su vida. El marido de McKee había recibido una oferta de trabajo e iban a mudarse, por lo que ella tendría que ir a un orfanato. Para evitarlo, se casó con el hijo policía de una vecina en junio de 1942. Norma tenía 16 años y James Dougherty, 21. Desde entonces ella dejó de estudiar para dedicarse a su papel de buena esposa y buena ama de casa.
En 1943, cuando Estados Unidos entró a formar parte en la Segunda Guerra Mundial, Dougherty se enroló en la marina y fue enviado como instructor a la Isla de Santa Catalina, frente a Los Ángeles, para luego embarcarse hacia Australia. Norma Jeane, al quedarse sola, se trasladó a casa de su suegra, con quien trabajó luego en una fábrica de municiones: la Radio Plane de Burbank.
- Carrera
- Ingreso al medio artístico y debut en el cine (1944-1947)
2. Contrato con Fox y revelación como actriz (1949-1952)
En 1948, Monroe firmó un contrato semestral con Columbia Pictures para interpretar a la bailarina Peggy en el musical Ladies of the Chorus. La película no tuvo mucho éxito, por lo que su contrato fue rescindido. Sin embargo, a partir de entonces solo apareció en películas producidas por la Twentieth Century Fox desde que firmó un contrato de seis años en1949.Participó con un breve papel en la comedia Amor en conserva de los Hermanos Marx, y en 1950 interpretó a Ángela, la amante de un abogado, en la película policíaca La jungla de asfalto. En ese mismo año también participó en la película Eva al desnudo, protagonizada por Bette Davis, donde interpretó a Claudia Caswell, una actriz de teatro. Por sendas interpretaciones recibió críticas positivas.
En febrero de 1951 se inscribió en las clases nocturnas de arte y literatura de la Universidad de California. En ese año interpretó, en varias películas de bajo presupuesto como Home Town Story, As Young as You Feel y Love Nest, papeles secundarios. Las perspectivas de su carrera comenzaron a mejorar cuando actuó a las órdenes de Fritz Lang en Clash by Night (1952), con un elenco que incluía a Barbara Stanwyck, Paul Douglas y Robert Ryan. Nuevamente su actuación recibió buenas críticas y poco después actuó en We're Not Married, comedia donde trabajó junto a Ginger Rogers y Zsa Zsa Gabor, y en Don't Bother to Knock, un thriller donde interpretaba a una niñera perturbada a la que vigila Richard Widmark. Fue su primer papel protagonista y, en palabras suyas, le exigió escenas de gran carga dramática, pero no obtuvo el éxito esperado. En Monkey Business (Me siento rejuvenecer), donde fue dirigida por Howard Hawks y actuó junto a Cary Grant y Ginger Rogers, mostró, por primera vez, la que sería su imagen definitiva: melena corta ondulada en un rubio platino. Pocos años antes se había sometido a una discreta rinoplastia.
3. Consagración (1953-1954)
En 1953, después de participar en películas de bajo presupuesto, la actriz tuvo un papel protagonista: Rose en Niágara. Y fue porque el aquel entonces presidente de la Twenty Century Fox, Darryl F. Zanuck, lo pidió. Así fue como Marilyn Monroe sustituyó a Anne Bancroft y consiguió críticas dispares: unos decían que no estaba a la altura del papel y otros quedaron eclipsados por su explosiva belleza. A modo de curiosidad, destacar que los famosos cuadros de Andy Warhol sobre Marilyn tienen como modelo una imagen promocional de esta película.
En diciembre de ese mismo año, Marilyn apareció en el número inaugural de Playboy, siendo por lo tanto la primera chica del mes de la revista. En la portada se reproducía una fotografía de la actriz con un vestido de escote pronunciado, que había suscitado críticas, pero el interior era aún más explosivo: como póster central se reproducía la fotografíaSueños dorados, donde Marilyn totalmente desnuda sobre una sábana de raso mostraba sus medidas 94-58-92. En realidad Marilyn no había posado expresamente para la revista: la imagen era de 1949, cuando ella era una desconocida de cabello más largo y oscuro, y se había tomado para un calendario. Pero Hugh Hefner compró los derechos justo a tiempo para explotar el creciente estrellato de la actriz.
La actriz protagonizó junto a Jane Russell la película Los caballeros las prefieren rubias (1953).Allí interpretó a Lorelei Lee, una cantante y bailarina. Su trabajo en este filme recibió buenas críticas y su interpretación del número musical "Diamonds Are a Girl's Best Friends" se convirtió en un clásico de los musicales., siendo recreada décadas después por Madonna. En ese mismo año, Marilyn trabajó con Lauren Bacall y Betty Grable en How to Marry a Millionaire (Cómo casarse con un millonario). En esta comedia interpretó a Pola, una modelo que alquila junto a sus amigas un lujoso departamento con el objetivo de atraer acaudalados desprevenidos para poder casarse con ellos. La película obtuvo críticas positivas y buena recaudación, y nuevamente la actuación de Monroe recibió buenas reseñas.
En 1954 la actriz apareció en la película de Otto Preminger, River of No Return (Río sin retorno), junto a los actores Robert Mitchum,Rory Calhoun, Tommy Rettig y Murvyn Vye. Se trató de un western en el que ella interpretó el papel de una cantante de saloon que conoce a un rudo vaquero, con el que vive distintas aventuras. La película obtuvo críticas negativas y no le fue bien financieramente.En ese mismo año actuó en There's No Business Like Show Business (Luces de Candilejas), una comedia musical donde compartió escena con Ethel Merman, Donald O´Connor y Mitzy Gaynor. La película recibió críticas negativas y no tuvo una buena recaudación. Posteriormente rechazó filmar una película con Frank Sinatra por no estar conforme con el argumento de la misma y con el salario que recibiría. Esto hizo que el estudio para el que trabajaba la suspendiera durante un breve lapso temporal en el que permaneció alejada de la actuación, aunque realizó presentaciones como cantante en Japón para entretener a las tropas estadounidenses.
4. Estadía en Japón y The Seven Year Itch (1954-1955)
Tras un breve receso, Monroe aceptó el papel de La Chica en la comedia The Seven Year Itch (La tentación vive arriba en España y La Comezón del Séptimo Año en Argentina), de 1955, adaptación cinematográfica de la obra teatral del mismo nombre.Por su trabajo en esta película recibió críticas positivas de diversas fuentes y su primer nominación al premio BAFTA como Mejor actriz extranjera. Por su parte, The Seven Year Itch fue un gran éxito comercial, ya que recaudó más de ocho millones de dólares , pero contribuyó a la crisis matrimonial entre Marilyn y Joe DiMaggio, disgustado por la famosa escena del vestido y, en general, por la imagen provocativa que Marilyn proyectaba. La pareja se divorciaría rápidamente. Después, el estudio ofreció a la actriz un contrato más ventajoso desde el punto de vista comercial y artísitico, en el que se incluyó una cláusula que señalaba que recibiría un porcentaje de la recaudación y otra que le concedía la posibilidad de realizar una producción independiente cada año.
5. Ingreso al Actor's Studio y creación de la Marilyn Monroe Productions (1955-1957)
A mediados de la década de 1950, Monroe se mudó a Nueva York y dejó de actuar durante un periodo breve de tiempo, pues quería formar su propia productora de cine y perfeccionar sus dotes actorales. Se inscribió, por sugerencia de su amigo Truman Capote, en las lecciones de teatro otorgadas por Constance Collier, quien murió días después del inicio del curso. Fue entonces cuando se matriculó en el Actors Studio, en las clases impartidas por Lee Strasberg. Cuando Strasberg consideró que ella estaba lo suficientemente preparada para actuar frente a sus colegas, le sugirió que interpretase junto con Maureen Stapleton una escena de la obra Anna Christie, de Eugene O'Neill. Por su actuación en esta pieza teatral recibió críticas muy positivas por parte de su profesor y de sus colegas.
En 1956, Monroe regresó al cine interpretando el papel de Cherie en la película Bus Stop. Gracias a un nuevo contrato que firmó con laTwenty Century Fox en ese año, la actriz pudo elegir director. Optó por Joshua Logan, quien había sido formado con el mismo método de interpretación que ella. Nuevamente la actuación de Monroe recibió buenas críticas. Lohan, en su autobiografía, escribió: «Marilyn es una de las actrices más talentosas de todos los tiempos, ella es realmente brillante. Creo debió haber sido nominada como mejor actriz a los premios Óscar». Bosley Crowther, del periódico The New York Times, señaló: «Marilyn Monroe se probó a sí misma que es una actriz». Ese año fue nominada al premio Globo de Oro por Mejor actriz de comedia o musical.
El 29 de junio de 1956, la actriz y Miller se casaron en una doble ceremonia, civil y religiosa.La prensa accedió a la casa donde se celebró el evento, pero en una de las persecuciones en busca de fotografías murió accidentalmente una periodista que cubría el acontecimiento. Después, el matrimonio partió hacia la ciudad de Londres, donde Monroe rodó la primera película de la Marilyn Monroe Productions, El príncipe y la corista (1957). Allí fue dirigida por Laurence Olivier, con quién además compartió el protagonismo. El rodaje resultó ser muy angustioso para la actriz, porque perdió un embarazo a causa de un aborto espontáneo. En este período, debido a sus trastornos emocionales y anímicos, se volvió adicta al alcohol y a los barbitúricos. La actuación de Monroe tuvo muy buena recepción por parte de los críticos de cine, incluso ganó el premio David di Donatello a la mejor actriz extranjera en Italia y estuvo nominada al premio BAFTA como mejor actriz.
6. Some Like it Hot (1959)
En 1959, Monroe participó en la película Some Like it Hot (Con faldas y a lo loco o Una Eva y dos Adanes en algunos países de Latinoamérica), con un elenco que incluía a Jack Lemmon y Tony Curtis, dirigida por Billy Wilder. Durante el rodaje, Monroe siempre llegaba tarde, constantemente pedía repetir las tomas y con mucha dificultad lograba memorizar sus líneas; esto hizo que se enemistara con sus compañeros, especialmente con Tony Curtis. La filmación resultó ser también angustiosa para la actriz porque allí quedó embarazada, supuestamente por un breve idilio con Curtis, pero nuevamente sufrió un aborto espontáneo.
La película tuvo un gran éxito de crítica y público; fue la más taquillera de ese año y consiguió cinco nominaciones a los premios Óscar. Monroe interpretó a "Sugar", una chica romántica, desafortunada en el amor y vulnerable; una rubia superficial, no demasiado inteligente, víctima de la maldad de los otros. Por su actuación ganó el Globo de Oro a la mejor actriz de comedia o musical. Más tarde, Wilder comentó que esta película fue uno de los logros más importantes de toda su carrera.
7. Últimas películas y problemas de salud (1960-1962)
Después de Some Like It Hot, la actriz firmó un nuevo contrato con la Twenty Century Fox. Actuó en el musical Let's Make Love, bajo la dirección de George Cukor. El rodaje de la película se retrasó por las condiciones físicas de Monroe y porque, a petición de ella, el guion fue reescrito por Arthur Miller.Los cambios que realizó el dramaturgo hicieron que Gregory Peck rechazara encarnar el papel principal del filme; Cary Grant, Charlton Heston, Yul Brynner y Rock Hudson también rechazaron el papel, por lo que el estudio se lo ofreció al actor y cantante francés Yves Montand. Monroe y Miller se hicieron amigos de Montand y su esposa, la actriz Simone Signoret. Cuando Signoret regresó a Francia para filmar una película, Monroe y Montand tuvieron un breve romance, estando ambos casados. Si bien ella le pidió a él que abandone a Signoret, cuando el rodaje terminó, él volvió a su país con su esposa. La película tuvo críticas negativas y no le fue nada bien financieramente.
Durante este período, la salud y el estado emocional de Monroe se fue deteriorando notablemente. Con frecuencia llamaba por teléfono al Dr. Ralph Greenson, su psiquiatra y psicoanalista, en las noches para combatir su insomnio. También visitó a otros médicos cuando él creía que era necesario recetarle nuevos fármacos.
En el año 1960, Monroe formó parte del elenco de la película The Misfits (Vidas rebeldes), de John Huston, cuyo guion fue escrito especialmente por Arthur Miller para ella. La actriz interpretó a Roslyn, un personaje que su esposo calcó de situaciones, diálogos y momentos de su vida. El elenco incluía, entre otros, a Clark Gable, Montgomery Clift y Thelma Ritter. La filmación comenzó en julio de ese año y se llevó a cabo en el desierto de Nevada. El estado anímico de Monroe no era bueno; faltaba con frecuencia al rodaje, tenía dificultades para poder concentrarse y para dormir consumía fuertes dosis de fármacos y alcohol.
En el mes de agosto, la actriz fue hospitalizada de urgencia en Los Ángeles durante diez días. Los periódicos indicaban que la actriz estaba cerca de la muerte, pero no revelaron las causas de su internamiento. Después de esto, Monroe regresó a Nevada y terminó de filmar la película. En noviembre, la actriz y su esposo regresaron separados a la ciudad de Nueva York y ella se refugió en casa de Lee Strasberg.
The misfits fue mal recibida por los críticos, pero la actuación de Monroe, al igual que la de Gable, recibió críticas muy positivas. En una entrevista, Huston dijo: "Marilyn excavó dentro de sus propias experiencias personales para sacar a la superficie algo único y extraordinario. No tenía técnica de actuación. Era todo verdad, era solo ella".
Durante los siguientes meses, la adicción de Monroe a los fármacos y al alcohol la pusieron al borde de la muerte nuevamente El 20 de enero de 1961, se divorció de Miller. En el mes de febrero ingresó en la clínica psiquiátrica Payne Whitney, experiencia que luego ella misma describió como «una pesadilla». Después logró comunicarse con Joe DiMaggio, quien hizo que la trasladaran de esa clínica a un hospital normal. Su delicado estado de salud le impidió trabajar el resto del año.
En 1962, Monroe regresó a la actuación protagonizando, junto a Dean Martin, la películaSomething's Got to Give. Al momento de comenzar el rodaje, la actriz estaba muy delicada de salud, con frecuentes sinusitis, bronquitis y síntomas cada vez más marcados de inseguridad. La 20th Century Fox confiaba en este proyecto para sanear su economía, ya que la empresa amenazaba quebrar, debido a los desmesurados gastos que le generó la película Cleopatra(1963). El 9 de mayo del mismo año tuvo lugar, en Nueva York, la gala por el cumpleaños del entonces presidente estadounidenseJohn F. Kennedy, en la que Monroe le cantó el "Happy Birthday Mr. President". Para acudir a esta gala, la actriz se ausentó durante siete días del rodaje, a pesar de que el estudio le exigió que se quedara para cumplir con su trabajo.
Luego, Monroe retornó al rodaje de Something's Got to Give y filmó las escenas en las que se mostró desnuda en una piscina. Estas imágenes aparecieron en la portada de la revista Life, tras lo cual comentó que quería «...sacar a Elizabeth Taylor de las portadas de las revistas». Por sus retrasos y repentinas ausencias del rodaje, fue despedida. La Fox intentó completar la película utilizando a otra actriz, pero Dean Martin se opuso, por lo que a la cinematográfica no le quedó más remedio que readmitirla.En junio del mismo año, realizó la que sería su última y más recordada sesión fotográfica titulada póstumamente The last sitting,programada originalmente por la revista estadounidense Vogue y retratada por el fotógrafo Bert Stern.
Después de que la readmitieran, Monroe retomó las negociaciones con la productora para discutir su futuro profesional. El estudio tenía pensado para ella retratar a Jean Harlow en una película biográfica, después filmada por Carroll Baker. También quería que actuara en las comedias: Irma la Douce, What a Way to Go!, ambas luego protagonizadas por Shirley MacLaine, y Kiss Me, Stupid, más tarde protagonizada por Kim Novak. El acuerdo al que llegaron estableció que recibiría un millón de dólares por película y que tenía la libertad de elegir director y coprotagonistas
8. Fallecimiento
El 5 de agosto de 1962, a las 4:55 de la madrugada, el jefe del departamento policial de Los Ángeles, Jack Clemmons, recibió una llamada inquietante. Su interlocutor era el doctor Greenson, psiquiatra de Marilyn Monroe, y el mensaje era claro: la actriz había muerto. Elpolicía fue el primero en llegar al lugar y la primera autopsia reveló que había fallecido por una sobredosis de barbitúricos.
Teniendo en cuenta que el informe policial calificó la causa de la muerte como un «probablesuicidio» por falta de pruebas, muchos creen que fue asesinada. Se dice que el presidenteKennedy y su hermano Robert ordenaron su muerte para evitar que ella, tildada de ingenua, revelara información importante. También se apuntó a que la mafia temía que la actriz informara a la policía sobre los negocios que mantenían con el cantante Frank Sinatra y por eso acabaron con su vida.
Euniece Murray, su ama de llaves, fue entrevistada 23 años después y confirmó que aquella noche no conseguía dormir. Se levantó y observó que las luces de la habitación de Monroe estaban encendidas. Cuando llegó se encontró a la mujer desnuda y sin vida sobre la cama. Su psiquiatra, Hyman Engelberg, dijo que recibió gran cantidad de llamadas de mujeres un día después de su muerte diciéndole que si tan solo hubieran sabido que Marilyn tenía problemas, hubieran hecho lo posible por ayudarla. Entonces se dio cuenta que Marilyn no sólo llamaba la atención de los hombres, sino que también las mujeres sentían aprecio por ella.
Tres días después de la muerte, Joe DiMaggio, su segundo esposo, realizó el funeral en privado.
No puedo decirle adiós a Marilyn, nunca le gustaba decir adiós. Pero, adoptando su particular manera de cambiar las cosas para así poder enfrentarse a la realidad, diré hasta la vista. Porque todos visitaremos algún día el país hacia donde ella ha partido.Lee Strasberg, actor y amigo de Marilyn Monroe.
Sus restos se encuentran en el cementerio Westwood Village Memorial Park de Los Ángeles, California.
9. Personalidad
Marilyn Monroe tenía dos facetas muy marcadas en su personalidad, por un lado era una mujer que prodigaba una gran femineidad y vulnerabilidad, glamour y seducción muy estudiada y era muy consciente de sus dones como mujer rubia y muy atractiva sexualmente que a veces pasaba por tonta sin serlo; por otro lado, Monroe era esclava de la primera faceta, para ella era muy importante lo que opinaban las personas que le importaban. Desarrolló una personalidad neurótica, depresiva y obsesiva que revelaba carencias de afecto en su niñez y primera juventud que afectaban su desempeño en el plató llegando atrasada a los rodajes, manifestando ataques de pánico o bien, asumía conductas impulsivas súbitas.
10. Después de Marilyn
La repercusión de la muerte de Marilyn Monroe fue muy importante. Se dice que las vidas de Frank Sinatra y Pat, amiga de la actriz, nunca volvieron a ser las mismas. Monroe dejó un sinfín de imágenes y palabras que perduran en la historia y la recordarán para siempre. Pero también dejó un expediente sin resolver. Lo que ocurrió exactamente la noche de su muerte es una incógnita, pero su legado será, tal vez, el más grande de su época.
11.Filmografia
Artículo principal: Anexo:Filmografía de Marilyn Monroe
12. Gronología
Artículo principal: Anexo:Cronología de Marilyn Monroe
13. Premios
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1957 | Mejor Actriz - Comedia o musical | Bus Stop | Nominada |
| 1960 | Mejor actriz - Comedia o musical | Some Like it Hot | Ganadora |
| 1962 | Actriz favorita | Ganadora |
Premio David de Donatello[editar]
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1958 | Mejor actriz | El príncipe y la corista | Ganadora |
Premios BAFTA[editar]
| Año | Categoría | Película | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1958 | Mejor actriz extranjera | The Seven Year Itch | Nominada |
| 1969 | Mejor actriz extranjera | El príncipe y la corista | Nominada |
Retratos de Marilyn Monroe
- Willem de Kooning: Marilyn Monroe (Óleo sobre lienzo, 1954)
- Andy Warhol: Marilyn Diptych (Serigrafía sobre lienzo, 1962)
- James Rosenquist: Marilyn Monroe (Óleo sobre lienzo, 1962)
- Mimmo Rotella: Marilyn Monroe (Décollage), 1962)
- Wolf Vostell: Marilyn Monroe (Décollage, 1962)
- Richard Hamilton: My Marilyn (Fotos y óleo sobre lienzo, 1966)
- Salvador Dalí: Mao Monroe (Óleo sobre Polimetilmetacrilato, 1967)
- Robert Rauschenberg: Test Stone #1 (Litografía sobre papel, 1967)
- Richard Lindner: Marilyn was here (17 Litografías, 1970)
- Mel Ramos: Peek-a-boo Marilyn (Litografía, 2002)
- Gina Lollobrigida: My Friend Marilyn Monroe (Escultura, 2003)
http://es.wikipedia.org/wiki/Marilyn_Monroe
http://listas.20minutos.es/lista/estatuas-de-celebridades-alrededor-del-mundo-377373/
No hay comentarios:
Publicar un comentario