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lunes, 28 de octubre de 2013

Los mejores escultores de todos los tiempos

Los mejores escultores de todos los tiempos

MIGUEL ÁNGEL (MICHELANGELO BUONAROTTI)1. MIGUEL ÁNGEL (MICHELANGELO 

BUONAROTTI)

Michelangelo Buonarroti (Caprese, 6 de marzo de 1475 – Roma, 18 de febrero de 1564), conocido en español como Miguel Ángel, fue un arquitecto, escultor y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica.1 Desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y Roma, que era donde vivían sus grandes mecenas, la familia Médicis de Florencia, y los diferentes papas romanos.

Fue el primer artista occidental del que se publicaron dos biografías en vida: Le Vite de' più eccellenti pittori, scultori, ed architettori, de Giorgio Vasari, publicada en 1550 en su primera edición, en la cual fue el único artista vivo incluido,2 y Vita de Michelangelo Buonarroti, escrita en 1553 por Ascanio Condivi, pintor y discípulo de Miguel Ángel, que recoge los datos facilitados por el mismo Buonarroti.3 Fue muy admirado por sus contemporáneos, que le llamaban el Divino.4 Benedetto Varchi, el 12 de febrero de 1560, le envió una carta en nombre de todos los florentinos diciéndole:

...toda esta ciudad desea sumisamente poderos ver y honraros tanto de cerca como de lejos... Vuestra Excelencia nos haría un gran favor si quisiera honrar con su presencia su patria.5

Triunfó en todas las artes en las que trabajó, caracterizándose por su perfeccionismo.6 La escultura, según había declarado, era su predilecta y la primera a la que se dedicó; a continuación, la pintura, casi como una imposición por parte del papa Julio II, y que se concretó en una obra excepcional que magnifica la bóveda de la Capilla Sixtina; y ya en sus últimos años, realizó proyectos arquitectónicos.

GIAN LORENZO BERNINI



2.
 GIAN LORENZO BERNINI

Gian Lorenzo Bernini (Nápoles, 7 de diciembre de 1598 - Roma, 28 de noviembre de 1680) fue un escultor, arquitecto y pintor italiano, uno de los artistas más destacados del Barroco.










FRANçOIS AUGUSTE RENÉ RODIN

3. FRANçOIS AUGUSTE RENÉ RODIN

François-Auguste-René Rodin (París, 12 de noviembre de 1840-Meudon, 17 de noviembre de 1917) fue un escultor francés contemporáneo de la corriente impresionista. Enmarcado en el academicismo más absoluto de la escuela escultórica neoclásica, no sólo fue el escultor encargado de poner fin a más de dos siglos de búsqueda de la mimesis en las artes tridimensionales, sino que además dio un nuevo rumbo a la concepción del monumento y la escultura pública. Debido a esto, Rodin ha sido denominado en la historia del arte como «el primer moderno».





SALVADOR DALÍ

4. SALVADOR DALÍ

Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech,1 marqués de Dalí y de Púbol (Figueras, 11 de mayo de 1904 – ibídem, 23 de enero de 1989), fue un pintor, escultor, grabador, escenógrafo y escritor español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo.

Dalí es conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas. Sus habilidades pictóricas se suelen atribuir a la influencia y admiración por el arte renacentista. También fue un experto dibujante.2 3 Los recursos plásticos dalinianos también abordaron el cine, la escultura y la fotografía, lo cual le condujo a numerosas colaboraciones con otros artistas audiovisuales. Tuvo la habilidad de forjar un estilo marcadamente personal y reconocible, que en realidad era muy ecléctico y que «vampirizó» innovaciones ajenas. Una de sus obras más célebres es La persistencia de la memoria, el famoso cuadro de los «relojes blandos», realizado en 1931.

Como artista extremadamente imaginativo, manifestó una notable tendencia al narcisismo y la megalomanía, cuyo objeto era atraer la atención pública. Esta conducta irritaba a quienes apreciaban su arte y justificaba a sus críticos, que rechazaban sus conductas excéntricas como un reclamo publicitario ocasionalmente más llamativo que su producción artística.4 Dalí atribuía su «amor por todo lo que es dorado y resulta excesivo, [su] pasión por el lujo y su amor por la moda oriental» a un autoproclamado «linaje arábigo»,5 que remontaba sus raíces a los tiempos de la dominación árabe de la península ibérica.
FIDIAS

5. FIDIAS

Fidias1 (Atenas, hacia 490 a. C. – Olimpia, h. 431 a. C.) fue el más famoso de los escultores de la Antigua Grecia, además de pintor y arquitecto.

Fidias, que se encuadra en la etapa conocida como «primer clasicismo griego», diseñó las estatuas de la diosa Atenea en la Acrópolis de Atenas (Atenea Partenos, dentro del Partenón, y Atenea Promacos), y la colosal estatua sentada de Zeus en Olimpia.

Las obras atenienses fueron aparentemente encargo de Pericles en 447 a. C. Es posible que Pericles usase el dinero de la Liga de Delos para pagarle, si bien esto no es seguro.

Se conocen pocos detalles de la vida de Fidias. Se sabe que nació en Atenas poco después de la batalla de Maratón. Se tienen diversos relatos sobre su formación. Hegias de Atenas, Agéladas de Argos, y el pintor de Tasos Polignoto, han sido todos ellos considerados maestros suyos. A favor de Agéladas puede decirse que la influencia de las muchas escuelas dorias puede ciertamente encontrarse en parte de su obra. Aprendió la técnica del bronce en la escuela de Argos con Agéladas, a la vez que Mirón y Policleto. Al parecer, su actividad artística empieza en 464 a. C.. De su vida se sabe poco más aparte de sus obras. Pausanias, sin embargo, menciona a dos de sus estudiantes, que también fueron sus eromenoi. Uno es Agorácrito quien es también conocido por su escultura de Némesis en Ramnunte.n. 1 Otro amado, incluso más estrechamente relacionado con el escultor, es Pantarces, un joven eleo y ganador del combate de lucha juvenil en las 86as Olimpíadas en 436 a. C. Pausanias informa de una tradición según la cual el chico fue el modelo para una de las figuras esculpidas en el trono del Zeus Olímpico. Otra tradición, narrada por Clemente de Alejandría, presenta a Fidias tallando «Kalos Pantarkes» («Pantarkes es guapo») en el dedo corazón del dios.

Algunas de sus obras sobreviven presuntamente a través de copias romanas, y de fragmentos originales atribuidos a él, o son en base conjeturales. De la misma manera, su muerte es centro de controversia y no se saben las causas que la pudieron haber provocado. A pesar de la casi total ausencia de datos concretos sobre su vida, Fidias es considerado uno de los fundadores y uno de los mejores exponentes del Alto clasicismo en la escultura, y reconocido unánimemente como uno de los escultores más importantes de Occidente.2

MIRÓN

6. MIRÓN

Mirón (en griego Μύρων; trabajó h. 480-440 a. C.) fue un gran escultor y broncista de mediados del siglo V a. C.1 y uno de los más conocidos autores del arte griego, cuyas aportaciones escultóricas supusieron la transición al periodo clásico. Nacido en Eléuteras,2 ciudad situada en la frontera de Beocia y el Ática. Según la Historia Natural de Plinio, Agéladas de Argos fue su maestro.3

El viajero Pausanias destacó esculturas de Mirón que permanecían in situ en el siglo II. Quionis, un vencedor olímpico del siglo VII de Esparta era conmemorado a través de un bronce idealizado obra de Mirón4

Trabajó fundamentalmente con el bronce:5 y aunque hizo algunas estatuas de dioses y héroes, su fama descansa principalmente en sus representaciones de atletas, en los que hizo una revolución, según los comentadores de la Antigüedad, al introducir una mayor audacia en la pose y un ritmo más perfecto, subordinando las partes al todo. La observación de Plinio de que las obras de Mirón eran numerosior que las de Policleto y «más diligentes»6 parece sugerir que eran consideradas de proporciones (numeri) más armoniosas y al mismo tiempo más convincentes en su realismo: diligentia denotaba «gran atención a los puntos delicados», una cualidad que, con moderación, era característica de las mejores obras de arte, según los críticos de la Antigüedad.7 Su gran mérito consistió en saber captar como nadie el movimiento. Sus obras más famosas se caracterizan por la representación fidedigna de las tensiones del cuerpo humano en movimiento, como se aprecia en su conocido Discóbolo, y el realismo en sus esculturas de hombres y animales.

Sus obras más famosas, según Plinio (Historia Natural, 34.57-59) fueron una vaquilla, un perro (canem, tal vez Cerbero), un Perseo, un sátiro — Marsias— admirando la flauta y Minerva (Atenea), un Hércules, que se llevó al santuario que le dedicó Pompeyo el Grande en el Circo Máximo, el Discóbolo (el lanzador de disco), y un Apolo para Éfeso, «que Antonio el triunviro cogió a los efesios, pero el Augusto deificado lo restauró después de haber sido advertido en un sueño».8 Los escritores del Alto Imperio Romano consecuentemente consideraron a Mirón entre los más grandes de los escultores griegos, un signo de que su reputación contemporánea había permanecido alta.
Minotauro, de una fuente en Atenas, parte del grupo perdido de Mirón de Teseo y el Minotauro (Museo Arqueológico Nacional de Atenas).

La vaquilla parece que obtuvo su fama principalmente por inspirar epigramas,9 lo que nada nos dice sobre la pose del animal. Un epigrama10 sobre Ladas, el corredor más veloz de la época, señala que fue conmemorado por una escultura de Mirón; del Ladas de Mirón no hay copia conocida. Una descripción de Luciano11 definitivamente identifica como obra de Mirón el Discóbolo o «Lanzador de disco», de la que existen varias copias, de las cuales la mejor es la del Palazzo Massimi alle Terme, Roma. Estrabón también registra grupos callejeros sobre Mirón, especialmente un amplio grupo en Samos; varias cabezas supervivientes se han identificado como copias de la Atenea Samia de Mirón por C.K. Jenkins en 1926.12

Una figura de mármol en el Museo de Letrán, que está actualmente restaurada como un sátiro danzante, es casi con certeza una copia de una obra de Mirón, un Marsias deseoso de tomar el aulos que Atenea había arrojado.13 El grupo entero está copiado en monedas de Atenas, en un vaso y en un relieve que representa a Marsias como oscilando entre la curiosidad y el miedo a desagradar a la diosa Atenea.
El Discóbolo de Mirón en el Jardín Botánico de Copenhage, Dinamarca.

Los críticos antiguos dicen de Mirón que, aunque tuvo un éxito admirable al dar vida y movimiento a sus figuras, no logró presentar las emociones de la mente. Esto concuerda con la evidencia existente, hasta cierto punto, aunque no perfectamente. Los cuerpos de sus hombres son de mucha mayor excelencia que sus cabezas. La cara de Marsias es casi una máscara; pero de la actitud conseguimos una impresión vívida de las pasiones que le dominan. La cara del Discóbolo está calmada y tranquila; pero todos los músculos de su cuerpo se concentran en el esfuerzo. Sin renunciar a algunas de las características esenciales de la escultura del periodo arcaico, su Discóbolo es una obra plenamente clásica. Y aunque supuso un avance decisivo en el estudio del movimiento, de la tensión muscular y de la integración de la figura en el espacio no captó el aspecto emocional y los detalles de un rostro expresivo. Por ello la cabeza conserva reminiscencias de la movilidad del estilo anterior, la sonrisa se parece todavía a la expresión arcaica.

Un número considerable de otras obras existentes se adscribieron a la escuela o la influencia de Mirón, por Adolf Furtwängler.14 Estas atribuciones no han superado la prueba del tiempo.
Un papiro de Oxirrinco da las fechas de vencedores de Olimpia de quienes Mirón hizo estatuas del atleta Timantes, victorioso en Olimpia en el año 456 a. C., y de Licino, victorioso en 448 y 444. Esto ayuda a fijar su data. Era contemporáneo, pero algo mayor, que Fidias y Policleto.15

ANDREA DEL VERROCCHIO

7. ANDREA DEL VERROCCHIO

Andrea del Verrocchio, nacido Andrea di Michele di Francesco de Cioni, conocido simplemente como Verrocchio (Florencia, h. 1435 - Venecia, 1488) fue un pintor, escultor y orfebre cuatrocentista italiano. Trabajó en la corte de Lorenzo de' Medici en Florencia. Entre sus alumnos estuvieron Leonardo da Vinci, Perugino, Ghirlandaio y Sandro Botticelli, pero también influyó en Miguel Ángel. Trabajó en el estilo serenamente clásico del primer renacimiento florentino.
Índice



LISIPO

8. LISIPO

Lisipo (griego antiguo Λύσιππος) fue un escultor clásico griego, nacido en Sición, Peloponeso, h. 370 a. C. y fallecido hacia el 318 a. C. Lisipo, Escopas y Praxíteles están considerados los tres grandes escultores de la segunda fase del clasicismo (siglo IV a. C.),1 época de transición entre la era griega clásica y el helenismo. Existen una serie de problemas de método que se plantean al estudioso de su obra: el amplio taller de Lisipo, la demanda de réplicas de su obra aún en vida2 y más tarde entre los aficionados helenísticos y romanos, el número de discípulos directamente en su círculo3 y la supervivencia de sus obras sólo en copias.




DONATELLO (DONATO DI NICCOLÓ DI BETTO BARDI)

9. DONATELLO (DONATO DI NICCOLÓ DI BETTO BARDI)

Donatello (Donato di Niccolò di Betto Bardi) (Florencia, Italia, 1386 – ibídem, 13 de diciembre de 1466) fue un famoso artista y escultor italiano de principios del Renacimiento. Junto con Leon Battista Alberti, Brunelleschi y Masaccio, fue uno de los padres del renacimiento. Donatello se destacó en una fuerza innovadora en el campo de la escultura monumental y en el tratamiento de los relieves, donde logró representar una gran profundidad dentro de un mínimo plano, denominándose con el nombre de stiacciato, es decir «relieve aplanado o aplastado».

El David de mármol para la catedral de Santa María del Fiore en Florencia, fue su primera obra documentada entre 1444 y 1446. En los años sucesivos realizó numerosas obras en mármol, terracota, bronce y madera para diversos mecenas y ciudades. Regresó a Florencia en el año 1459 con el encargo de modelar unas placas en bronce para la Basílica de San Lorenzo y durante su elaboración falleció en diciembre de 1466.1
Entre sus obras más importantes se encuentran el David de bronce en el museo del Bargello, el Púlpito exterior de la catedral de Prato, la estatua ecuestre de Gattamelata en Padua, la María Magdalena penitente en el museo dell'Opera del Duomo en Florencia y Judith y Holofernes en el Palacio Vecchio.2ibido

JOAN MIRÓ10. JOAN MIRÓ

Joan Miró i Ferrà (Barcelona, 20 de abril de 1893 — Palma de Mallorca, 25 de diciembre de 1983) pintor, escultor, grabador y ceramista español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo. En su obra reflejó su interés en el subconsciente, en lo "infantil" y en su país. En un principio mostró fuertes influencias fauves, cubistas y expresionistas, pasando a una pintura plana con cierto aire naïf, como lo es su conocido cuadro La Masía del año 1920. A partir de su estancia en París, su obra se vuelve más onírica, coincidiendo con los puntos del surrealismo e incorporándose a este movimiento.1 En numerosas entrevistas y escritos que datan de la década de 1930, Miró manifestó su deseo de abandonar los métodos convencionales de pintura, en sus propias palabras de "matarlos, asesinarlos o violarlos", para poder favorecer una forma de expresión que fuese contemporánea, y no querer doblegarse a sus exigencias y a su estética ni siquiera con sus compromisos hacia los surrealistas.2
Uno de sus grandes proyectos fue la creación en 1975, de la Fundación Joan Miró, ubicada en Barcelona, centro cultural y artístico para difundir las nuevas tendencia del arte contemporáneo, constituyéndose con un gran fondo de obras donadas por el autor; otros lugares con importantes fondos de sus obras son la Fundación Pilar i Joan Miró de Palma de Mallorca, el Museo Reina Sofía de Madrid, el Centro Pompidou de París (Musée National d'Art Moderne) y el MOMA de Nueva York.

11. FERNANDO BOTERO

FERNANDO BOTEROFernando Botero nació en Medellín, Antioquia, el 19 de Abril de 1932 es un pintor, escultor y dibujante colombiano.

La obra de su autoría lleva impreso un original estilo figurativo neorrenacentista contemporáneo, denominado por algunos como "Boterismo", el cual le da una identidad inconfundible y conmovedora a las mismas, y se caracteriza por la interpretación que da el artista a diversas temáticas universales (el ser humano, la mujer, el hombre, sus sentimientos, pasiones, dolores, creencias, vicios, costumbres, su cotidianidad, sus relaciones interpersonales, mitos, leyendas, manifestaciones culturales, así como dramas , acontecimientos y personajes históricos, sociales y políticos, hitos del arte, hasta objetos, animales, paisajes y la naturaleza en general), con una volumetría exaltada, que impregna de un especial carácter tridimensional, así como de fuerza y sensualidad a la obra, junto a una concepción anatómica particular, una estética que cronológicamente podría encuadrarse entre los años treinta a cuarenta en occidente, en temáticas que pueden ser contemporáneas o pasadas, pero con vocación universal, con un uso vivaz y magistral del color al estilo de la escuela veneciana renacentista y finos detalles de crítica mordaz, ironía y sutileza.

Itinera entre sus afamados estudios de esculturas de Pietra Santa, Italia y los de pintura en París (Francia), Nueva York (Estados Unidos de América) y de Montecarlo (Principado de Mónaco); así mismo, dedica tiempo al dibujo algunos días del año en Zihuatanejo, México y Rionegro, en Colombia.

En 2012 se han programado una serie de homenajes internacionales, con motivo de la efemérides de su natalicio número ochenta. Las celebraciones, incluyen exposiciones antológicas de sus obras en museos del Distrito Federal de México, Sao Paulo en Brasil, Pietra Santa y Asís en Italia, Santiago de Chile, Bogotá y Medellín en Colombia, Bilbao en España, Bielefeld en Alemania, entre otras. Asimismo, la Presidencia de Colombia anunció un decreto en que cataloga las 479 obras de Botero que se encuentran en suelo Colombiano como de "interés cultural del ámbito nacional"1 , lo que implica medidas de protección, conservación y promoción por parte del Estado Colombiano.

ANDY WARHOL12. ANDY WARHOL

Andrew Warhola, Jr. (Pittsburgh, 6 de agosto de 1928 - Nueva York, 22 de febrero de 1987), comúnmente conocido como Andy Warhol, fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. Tras una exitosa carrera como ilustrador profesional, Warhol adquirió notoriedad mundial por su trabajo en pintura, cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad. Warhol actuó como enlace entre artistas e intelectuales, pero también entre aristócratas, homosexuales, celebridades de Hollywood, drogadictos, modelos, bohemios y pintorescos personajes urbanos.

Uno de los aportes más populares de Warhol fue su declaración: "En el futuro todo el mundo será famoso durante 15 minutos". Esta frase de cierta manera vaticinó el actual poder de los medios de comunicación y el apogeo de la prensa amarilla y de los reality shows.
Fue personaje polémico durante su vida - algunos críticos calificaban sus obras como pretenciosas o bromas pesadas - y desde su muerte en 1987 es objeto de numerosas exposiciones retrospectivas, análisis, libros y documentales, además de ser recreado en obras de ficción como la película I Shot Andy Warhol (Mary Harron, 1996). Al margen de la fama y de la polémica, está considerado como uno de los artistas más influyentes del siglo XX debido a su revolucionaria obra.

PABLO GARGALLO

13. PABLO GARGALLO

Pablo Emilio Gargallo Catalán (Maella (Zaragoza), 5 de enero de 1881- Reus (Tarragona), 28 de diciembre de 1934). Escultor y pintor español. Considerado uno de los escultores más importantes e innovadores del siglo XX, a lo largo de su vida artística combinó paralelamente el clasicismo con la experimentación. En El profeta, de 1933, culmina toda su trayectoria, que incorpora la vanguardia cubista en una escultura que conjuga el volumen y el vacío, y posee una gran energía de carácter expresionista.

GIL DE SILOÉ


14. GIL DE SILOÉ

Gil de Siloé (los historiadores del arte también le nombran como Gil de Siloe o, simplemente, Gil Siloe), fue un escultor castellano en estilo gótico activo en los últimos años del siglo XV. Hijo suyo fue Diego de Siloé, escultor y arquitecto en estilo renacentista.








LUCCA DELLA ROBBIA


15. LUCCA DELLA ROBBIA

Luca Della Robbia, escultor y ceramista italiano. Nació en Florencia en 1400 y murió en 1482.

Según Giorgio Vasari, Luca nació en el año 1388 en la casa de sus antepasados que se encontraba debajo de la iglesia de San Bernabé en Florencia. Fue educado, conforme a las costumbres de la época, hasta que aprendió no solo a leer, sino también a escribir y contar, como se solía hacer en casi todas las casa florentinas, por sus propios medios. Su padre le colocó, enseguida, para que aprendiera el oficio, en casa del orfebre Leonardo, hijo de Giovanni, considerado, por entonces en Florencia, como el mejor maestro en este arte.

Nacido en el seno de una familia de tintoreros (robbia significa "granza" en toscano, y esta palabra designa a una planta utilizada para teñir), empezó como escultor de mármol y estudió la escultura antigua. Luca Della Robbia realizó la Tribuna de los Cantores, en la Catedral de Florencia (1431), bajorrelieve muy importante que tenía que emplazarse encima de la puerta de la sacristía. La terminó hacia 1438-1439.

En 1446, Luca y su hermano Marco, compraron una gran casa para instalar un taller y un horno. En 1448 murió Marco dejando a cargo de Luca a sus seis sobrinos, entre los cuales destaca Andrea della Robbia que fue el más conocido. Andrea se hizo cargo de la Botega (taller) a la muerte de su tío, y sus cinco hermanos trabajaron con él. El más célebre es el tercer hijo: Giovanni. Después, el taller dejaría de funcionar.

No tan avanzado en las tendencias del Renacimiento formuladas por Brunelleschi, Masaccio, Donatello, etc., Luca Della Robbia es un escultor cuya sobriedad clara de los planos y los ritmos, la serenidad clásica de los rostros, las formas simples y la sensibilidad de la luz estarán siempre presentes en su obra. Buscó la fórmula para de conservar sus obras de barro cocido, que el sobrino del artista y los hijos de éste continuaron con esta misma técnica. Siempre según Vasari:

Considerando que el barro se trabaja fácilmente y sin grandes fatigas, busca el medio de conservar las obras una vez que las mismas están acabadas, sueña que encuentra ese medio para defenderlas de las injurias del tiempo, después de haber experimentado con cantidad de cosas, descubre, por fin, que recubriéndolas con una mezcla de estaño, de antimonio y otros minerales y mixturas cocidas en un horno especial, se obtiene un efecto eficaz para conservar la obra de barro casi eternamente.

Una de las últimas esculturas del repertorio de Giovanni Della Robbia titulada Visitar a los enfermos (una de las siete obras de caridad, según el catecismo católico) datada en 1525-1529, se puede contemplar en el Hospital del Ceppo de Pistote.

La producción familiar fue muy prolífica y se exportó a toda Europa. Comprende frisos y retablos, emblemas de corporaciones o armas aristocráticas, retratos de la Virgen María o de santos, para la devoción privada. Las obras de los Della Robbia se caracterizan por su gracia, el brillante colorido del esmalte —especialmente el blanco y el azul—, la finura del modelo y la frescura del diseño. Su estilo se reconoce fácilmente.
NICOLA PISANO
16. NICOLA PISANO
Nicola Pisano fue un escultor italiano, considerado uno de los últimos representantes de la escultura medieval (Gótico) y a la vez uno de los pioneros del Renacimiento.

Se formó en la corte de Federico II. Su obra del púlpito del baptisterio de Pisa, de 1260, puede considerarse como algo sin precedentes en la escultura italiana, sintetizando influencias anteriores y consiguiendo a la vez una unidad compositiva y estilística notable. También realizó el púlpito de la catedral de Siena, de menor influencia clásica pero relieve más profundo y composición más hábil. Esta obra, de 1265-68, fue realizada con ayuda de su hijo Giovanni Pisano. Nicola Pisano adquirió su apellido en honor a la ciudad de Pisa, y luego también lo adquirió su hijo. El púlpito del Baptisterio de Pisa, obra por la cual Nicola Pisano adquirió su fama, tiene una forma hexagonal, y por ello aumenta la cantidad de relieves.




JUAN DE JUNI
17. JUAN DE JUNI
Juan de Juni1 (Joigny, Francia, 1506 – Valladolid, 10 de abril de 1577) fue un escultor franco-español.

Junto con Alonso Berruguete, Juni formó la gran escuela de la escultura castellana, con una gran y extensa obra realizada mayormente en los más de treinta años que permaneció en Valladolid. Eso le ha valido su presencia destacada en el Museo Nacional de Escultura, especialmente, y en el Museo Diocesano y Catedralicio de Valladolid, entre otros lugares de la ciudad.

Presentó un gran dominio en los materiales escultóricos como el barro cocido, la piedra y la madera y un perfecto conocimiento de la anatomía humana.2

Su oficio fue el de escultor, también denominado como "maestro de hacer imágenes" o como entallador que por misión tenía el hacer los elementos decorativos de fachadas, portadas o retablos, así también se dedicó a la construcción y al montaje de la arquitectura de los retablos a quienes se les llamaba ensamblador y como prueba de su oficio de arquitectura se sabe que realizó en el año 1565, en Valladolid, el Arco para recibir a la reina Isabel de Valois, conservándose aún el diseño de dicha obra.3
JACOPO DELLA QUERCIA

18. JACOPO DELLA QUERCIA

Jacopo della Quercia o Jacopo Di Pietro d'Agnolo della Quercia (Quercia Grossa, cerca de Siena, hacia 1374 o 1367 - Siena, 20 de octubre de 1438) fue un escultor italiano del Primer Renacimiento (o Quattrocento). Trabajó sobre todo en Siena, Bolonia y Lucca.

Su escultura busca una síntesis entre la escultura gótica de Giovanni Pisano y la borgoñona, especialmente la de Claus Sluter por una parte, y con el clasicismo por la otra, asimilada gracias a los hallazgos del Renacimiento florentino: se dedicó especialmente a las figuras, monumentales y de gran vitalidad. Su obra no tuvo continuadores inmediatos y sólo fue captada más adelante por Miguel Ángel.
Biografía

Nacido en los alrededores de Siena, su padre, Piero di Angelo, era orfebre y tallaba madera. Hacia 1386 se traslada con su familia a Lucca en donde entra al taller del escultor Antonio Pardini.

En 1401 participa en el concurso para la puerta norte del Baptisterio de Florencia, aunque no se conoce la obra que presentó.

En sepriembre de 1403 va a Ferrara para elaborar en el Duomo la figura de mármol de la Madonna della melagrana, que acaba en 1409.

Entre 1406 y 1407 realiza el monumento fúnebre de Ilaria del Carretto, obra que le había encargado el señor de Lucca, Paolo Guinigi, esposo de ésta en 1405 en la catedral de Lucca. La iconografía porcede de Borgoña, con la representación de la fallecida ricamente vestida yaciendo sobre una tarima, con un perro a los pies, símbolo de la fidelidad conyugal. Tiene la forma de un sarcófago de tipo romano, con una serie de querubines que sostienen guirnaldas talladas.

En 1409 se le encarga la Fonte Gaia en la piazza del Campo de Siena, en la que trabajará de 1414 a 1419, un recinto rectangular rodeado por tres partes de un elevado parapeto, dos de los cuales albergan los bajorrelieves de la Creación de Adán y la Expulsión del paraíso y en las pilastras delanteras las dos estatuas con Rea Silvia y Acca Larenzia. En la parte más larga hay relieves con la virgen con el niño en el centro, en su trono y rodeada de Virtudes y Ángeles. Para esta obra introducirá la técnica de tutto tondo, concebida para que la obra pueda ser vista desde cualquier ángulo. En estos relieves las figuras emergen de espacios apenas definidos desde un perfil oval con efectos circulares de movimiento. La obra hoy ha sido reemplazada por una copia hecha en 1858 por Tito Sarrocchi y lo que queda del original se conserva en el Museo de la Opera del Duomo de Siena.

De 1421 es el relieve sobre madera de la Anunciación ejecutado para la Colegiata de San Gimignano.
Obras

Tumba de Ilaria del Carretto, en la catedral de Lucca
Fontana Gaia (Siena, Plaza del Campo, 1409-1419)
Portal central de la basílica de San Petronio de Bolonia (1425-1434)

ANTONIO LÓPEZ GARCÍA


19. ANTONIO LÓPEZ GARCÍA

Antonio López García (Tomelloso, Ciudad Real, 6 de enero de 1936) es un pintor y escultor español.









DAMIÁ FORMENT20. DAMIÁ FORMENT

Damián Forment (Valencia (?) c. 1480 - Santo Domingo de la Calzada (La Rioja), 1540) fue un escultor español, considerado el más productivo de la Corona de Aragón1 y uno de los primeros introductores del Renacimiento en España.
Hijo de Pablo Forment, escultor originario de Alcorisa (Teruel), y hermano menor de Onofre Forment, con quienes trabajó entre 1500 y 1503 en el retablo eucarístico del antiguo convento de la Puridad, actualmente conservado en el Museo de Bellas Artes de Valencia,2 se ha pensado por el estilo italianizante-renacentista de sus obras que pudo ampliar su formación en Italia. Parece, por otro lado, que Jaime Vicente, escultor valenciano, también lo tuvo como discípulo.3
GREGORIO FERNÁNDEZ

21. GREGORIO FERNÁNDEZ

Gregorio Fernández (1576, Sarria, provincia de Lugo - 22 de enero de 1636, Valladolid), fue un escultor español del Barroco, máximo exponente de la escuela castellana de escultura.

Heredero de la expresividad de Alonso Berruguete y Juan de Juni, supo reunir a estas influencias el clasicismo de Pompeyo Leoni y Juan de Arfe, de manera que su arte se liberó progresivamente del Manierismo imperante en su época hasta convertirse en uno de los paradigmas del Barroco español.

La colección más importante de su obra se encuentra en el Museo Nacional de Escultura, en Valladolid. Fernández trabajó para las cofradías vallisoletanas, y el museo cede, como un hecho museístico singular, importantes piezas de sus fondos a las cofradías durante la celebración de la Semana Santa.

ANTONIO CANOVA

22. ANTONIO CANOVA

Antonio Canova (Possagno, 1 de noviembre de 1757 - Venecia, 13 de octubre de 1822) fue un escultor y pintor italiano del Neoclasicismo.
Su estilo estuvo inspirado en gran medida en el arte de la Antigua Grecia y sus obras fueron comparadas por sus contemporáneos con la mejor producción de la antigüedad, fue considerado el mejor escultor europeo desde Bernini.1 Su contribución en la consolidación del arte neoclásico sólo se compara a la del teórico Johann Joachim Winckelmann y a la del pintor Jacques-Louis David, aunque también fue sensible a la influencia del romanticismo. No tuvo discípulos directos, pero influyó en la escultura de toda Europa sobre su generación, manteniéndose como una referencia durante todo el siglo XIX, especialmente entre los escultores de la comunidad académica. Con el auge de la estética del arte moderno cayó en el olvido, pero su posición de prestigio se reanudó a partir de mediados del siglo XX. También mantuvo un interés continuo en la investigación arqueológica, era un coleccionista de antigüedades y se esforzó para evitar que el arte italiano, antiguo o moderno, se dispersara por otras colecciones del mundo. Considerado por sus contemporáneos tanto como un modelo de excelencia artística como de conducta personal, desenvolvió importantes actividades en beneficio y apoyo de los artistas jóvenes. Fue director de la Academia de San Lucas de Roma e inspector general de Antigüedades y Bellas Artes de los Estados Pontificios, recibió varios premios y fue ennoblecido por el papa Pío VII quien le otorgó el título de marqués de Ischia.2 3 4
EDMÉ BOUCHARDON



23. EDMÉ BOUCHARDON

Edmé Bouchardon (29 de mayo de 1698 - 27 de julio de 1762) fue un escultor y dibujante francés, considerado el mejor escultor de su generación.







BERTEL THORVALDSEN

24. BERTEL THORVALDSEN

(Albert) Bertel Thorvaldsen (19 de noviembre de 1770 - 24 de marzo de 1844) fue un escultor danés/islandés












HIRAM POWERS

25. HIRAM POWERS

Hiram Powers (29 de junio de 1805 - 27 de junio de 1873) fue un escultor neoclásico estadounidense.
Biografía

Powers era hijo de un granjero, y había nacido en Woodstock, Vermont, en 1805. En 1818 su padre se mudó a Ohio, a unos diez kilómetros de Cincinnati, donde su hijo concurrió a la escuela durante el lapso de un año, viviendo mientras tanto con su hermano que era abogado en Cincinnati. Al dejar la escuela lo emplearoon como supervisor de un salón de lectura en conexión con el hotel más famoso del pueblo, pero se vio obligado a dejar dicho empleo ya que no le alcanzaba para ganarse un sustento razonable, por lo que consiguió empleo en una tienda. A los 17 años, Powers comenzó a trabajar como ayudante de Luman Watson, el fabricante de relojes de madera de Cincinnati. Powers tenía habilidad para esculpir figuras. Watson era dueño de una fábrica de relojes y de órganos, y Powers pronto se especializó en la construcción de estos instrumentos, y a causa de su habilidad pronto fue ascendido hasta el cargo de mecánico en jefe de la fábrica.

En 1826 comenzó a visitar a Frederick Eckstein en su estudio, y rápidamente fue desarrollando una gran afinidad y pasión por el arte de la escultura. A causa de su habilidad pronto fue designado ayudante principal y artista del Western Museum, que era cuidado por un naturalista de Luisiana de ascendencia francesa llamado Joseph Dorfeuille, donde tuvo mucho éxito su ingeniosa representación de las regiones infernales que ilustraban escenas del poema de Dante. Luego de estudiar el arte de modelar y vaciado de piezas, hacia finales de 1834 se muda a Washington DC, donde sus talentos atraen rápidamente la atención. En 1837 se radica en Florencia, donde permanece hasta su muerte, aunque realiza algún viaje a Inglaterra en este período. Desarrolla un negocio exitoso de retratos y realización de bustos, pero también se dedica a crear figuras ideales de tamaño real, muchas de la scuales también las realiza como bustos independientes. En 1839 su estatua de Eva despertó la admiración de Bertel Thorvaldsen, y en 1843 realizó su obra La esclava griega con la que se ganó y cimentó su prestigio como escultor de renombre. Esta escultura fue exhibida en el centro de la Exhibición del Palacio de Cristal y Elizabeth Barrett Browning escribió un soneto inspirada en ella. La escultura La esclava griega se convirtió en un símbolo de la causa abolicionista y varias copias de ella aparecieron en las casas de muchos que apoyaban a la Unión. Entre las estatuas más famosas se encuentran El pescador niño, Il Penseroso, "Eva desconsolada", California, America (realizada para el Palacio de Cristal en Sydenham), y El último de la tribu (también llamada La última de su tribu). Powers murió el 27 de junio de 1873, y se encuentra enterrado en el Cementerio Inglés de Florencia.

En el año 2007 el Taft Museum of Art en Cincinnati, Ohio abrió la primera gran exhibición dedicada al escultor estadounidense más aclamado del siglo XIX, "Hiram Powers: Genio del mármol". Ese es exactamente el sitio en el cual en 1842 Powers realizó su primera gran exhibición exclusiva en Cincinnati, cuando Nicholas Longworth abrió las puertas de su residencia privada para permitirle al público ver la más reciente obra de Powers.[1]

Las siguientes colecciones poseen obras de Hiram Powers:

Addison Gallery of American Art (Andover, Massachusetts),
Amon Carter Museum (Texas),
Arizona State University Art Museum,
Art Gallery of the University of Rochester (New York),
Birmingham Museum of Art (Alabama),
Brooklyn Museum of Art (New York City),
Carnegie Museum of Art (Pittsburgh, Pennsylvania),
Cincinnati Art Museum,
Corcoran Gallery of Art (Washington D.C.),
Cornell Fine Arts Museum at Rollins College (Florida),
Detroit Institute of Arts,
Fine Arts Museums of San Francisco,
Glencairn Museum (Pennsylvania),
Harvard University Art Museums,
Metropolitan Museum of Art,
Museum of Fine Arts, Boston,
National Gallery of Art (Washington D.C.),
Smithsonian American Art Museum (Washington D.C.),
White House Collection, (Washington)
MARIANO BENLLIURE

26. MARIANO BENLLIURE

Mariano Benlliure y Gil (Valencia, 8 de septiembre de 1862 – Madrid, 9 de noviembre de 1947) fue un escultor español. Considerado como el último gran maestro del realismo decimonónico.










EDUARDO CHILLIDA

27. EDUARDO CHILLIDA

Eduardo Chillida Juantegui (San Sebastián, 10 de enero de 1924 – San Sebastián, 19 de agosto de 2002) fue un escultor español.

Nacido el 10 de enero de 1924. A los 18 años de edad, en 1942, comienza sus estudios para preparar el ingreso a la Escuela Técnica Superior de Arquitectura en la Universidad Politécnica de Madrid. En pocos años decidió abandonar el ingreso a los estudios de Arquitectura.

El escultor jugó en la Real Sociedad durante la temporada 1942-43, en la que el club donostiarra militaba en Segunda División. Eduardo Chillida era el portero titular del equipo, al tiempo que su padre, Pedro Chillida, presidía el club (lo hizo de 1942 a 1945). Chillida llegó a jugar catorce partidos como titular –todos los de la temporada regular-, en los que encajó dieciséis goles. Una lesión en la rodilla (la tríada) le obligó a dejar el fútbol prematuramente esa misma temporada, cuando todavía contaba con 19 años de edad. 2

Fue más tarde cuando empezó a dibujar en el Círculo de Bellas Artes de Madrid. Durante este tiempo se familiariza con el dibujo al natural. Es en este momento en Madrid donde realiza sus primeras piezas escultóricas.

Se traslada posteriormente a París donde su obra comienza a tomar cuerpo. Efectúa sus primeras esculturas en yeso. En estos años comienza su rivalidad con el escultor Jorge Oteiza, ambos con una obra vinculada en la tradición constructivista, pese a trabajar cada uno con temáticas parcialmente diferentes. Jorge Oteiza acusó a Eduardo Chillida de plagiar sus obras. Las acusaciones de Oteiza se plasmaron en La ley de los cambios. Libro de los plagios (1991), obra en la que lo que más lamentaba era el hecho de que Chillida no aceptara la influencia de la escuela vasca. Los dos escultores hicieron las paces en 1997 en Chillida Leku.

En 1951 el regresa definitivamente a San Sebastián. Chillida realiza su primera pieza en hierro, Ilarik, material que utilizará a lo largo de toda su vida.
Chillida-Leku.

Defendió la obra pública como mecanismo para garantizar un acceso a su obra en lugar de la realización de obras de arte en serie. Algunas de sus obras más conocidas no sólo se encuentran en espacios públicos, sino que forman parte intrínseca de él; como el Peine del Viento en San Sebastián o el monumental es Elogio del Horizonte en Gijón.

Sus últimos años de vida sufrió la enfermedad de Alzheimer. El 19 de agosto de 2002 falleció en su casa del Monte Igueldo en San Sebastián.

LORENZO GHIBERTI28. LORENZO GHIBERTI

Lorenzo Ghiberti (Florencia, 1378 - id., 1 de diciembre de 1455) fue un escultor, orfebre, arquitecto y escritor de arte italiano del Quattrocento.

Comenzó su actividad artística como orfebre. Sin embargo, no ganó fama hasta 1401, cuando participó en el concurso para decorar las segundas puertas del baptisterio de la catedral de Florencia, resultando ganador, al renunciar al premio ex aequo (con igual mérito) Brunelleschi, el otro finalista.

Su triunfo en el concurso resultó decisivo para su vida, puesto que la magnitud de la tarea requirió la creación de un taller de gran tamaño, que se convertiría en el principal de la ciudad durante medio siglo. En él se formaron figuras destacadas del Renacimiento, como Donatello, Michelozzo, Uccello, Masolino y Filarete.1

El trabajo en estas puertas duró más de veinte años (de 1403 a 1424), y se incluyeron veinte episodios de la vida de Cristo y ocho tallas de santos, de un estilo minucioso, cercano al gótico.
Puerta del Paraíso. Baptisterio de la Catedral de Florencia.

Su obra tuvo tanto éxito que posteriormente el gremio de comerciantes de Florencia le encomendó el encargo de ejecutar para el mismo baptisterio una tercera doble puerta, que acabó en 1452. Está decorada con diez bajorrelieves de bronce dorado que representan escenas del Antiguo Testamento, en un estilo totalmente diferente al anterior, en el que se aplican consecuentemente las reglas de la perspectiva renacentista.2 Miguel Ángel bautizó esta puerta como (puerta del Paraíso) 3 , nombre con que se la sigue conociendo actualmente.

Resultó también finalista junto a Brunelleschi en el concurso para la construcción de la cúpula de la catedral (Santa María de las Flores), pero esta vez el trabajo le fue encargado a Brunelleschi
Ghiberti esculpió también algunas estatuas de bronce para la iglesia florentina de Orsanmichele. En sus últimos años escribió los tres tomos de «I Commentarii» ( Los Comentarios), en el que se incluían con valiosas referencias a pintores y escultores italianos, así como una autobiografía, que es la primera que se conserva de un artista.4
NICOLÁS CORDIER

29. NICOLÁS CORDIER

Nicolás Cordier (1567-1612), [2] fue un francés artista que trabaja en Roma y también conocido como "il Franciosino" (el pequeño francés), [1] Nicolás Cordier o Niccolò da Lorena. [3]
Obras

Imagen de Santa Inés
Estatua de David
Büste Kaiser Aulo Vitelio
La Zingarella






FRANCISCO SALZILLO30. FRANCISCO SALZILLO

Francisco Salzillo y Alcaraz (n. Murcia; 12 de mayo de 1707 - f. ib.; 2 de marzo de 1783) fue un escultor barroco español, considerado como el más representativo imaginero del siglo XVIII español y uno de los más grandes del Barroco. Salzillo se dedicó en exclusiva a la temática religiosa y supo plasmar en su estilo los cambios que se fueron produciendo durante el siglo XVIII, lo que se vio plasmado en una escultura de transición hacia el rococó y el neoclasicismo,1 así como en diversos cambios que se fueron produciendo en el taller que heredó de su padre, él también escultor e imaginero, Nicolás Salzillo.
Su vida transcurrió enteramente en la ciudad de Murcia que, hoy día, cuenta con un museo dedicado a su obra, el Museo Salzillo, que alberga algunas de sus obras más características, como el belén o los ocho pasos que procesionan el Viernes Santo en la llamada procesión de los Salzillos.







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